Coffee & cigarettes

Belle mobilisation en soutien à Jafar Panahi et Mohammad Rasoulov

2011-02-11T18:00:00.000+01:00

Le monde du cinéma se mobilise en soutien à Jafar Panahi et Mohammad Rasoulov, les deux cinéastes iraniens condamnés.

Une centaine de personnes (réalisateurs, acteurs, producteurs et autres professionnels du cinéma) s'est réunie ce vendredi 11 février entre 12h30 et 14h devant la Cinémathèque Française.

A deux voix, Golshifteh Farahani et Aïssa Maïga ont lu en Persan et en Français la lettre adressée au Festival de Berlin par Jafar Panahi.

Les portraits des deux hommes ont été brandis par l'assemblée dont Léa Drucker, Laurent Tuel, Solveig Anspach, Bertrand Bonello, Richard Copans, Denis Gheerbrant, Elise Girard, Pierre Gras, André S. Labarthe, Aïssa Maïga, Valérie Mréjen, Alain Riou, Claire Simon, Jean-Pierre Thorn, Luce Vigo, etc.

Cette initiative a également été soutenue par nombre de personnalités françaises dont Mathieu Amalric, Danielle Anezin, Jean-Michel Arnold, Renato Berta, Claudine Bories, Nicole Brenez, Valérie Cadet, Patrice Chagnard, Lolita Chammah, Arnaud des Pallières, Annie Ernaux, Romain Goupil, Cédric Kahn, Nicolas Klotz, Jean-Christophe Klotz, Tonie Marshall, Marc’O, Chiara Mastroianni, Annie Maurette, Bulle Ogier, Thomas Ordonneau, Elisabeth Perceval, Nicolas Philibert, Elie Poicard, Michelange Quay, Marie-Christine Quetesberg, Philippe Ramos, Marie-Claude Treilhou, Agnes Varda, etc.

Le 11 février, date symbolique et historique pour l'Iran, correspond au 32è anniversaire de la Révolution.

En écho à Martin Scorsese qui a déclaré le 22 décembre qu’il fallait passer à l’action, Rafi Pitts – cinéaste iranien vivant en France, proche de Panahi et Rasoulov – a appelé à un arrêt de travail de l’industrie cinématographique partout dans le monde, le 11 février entre 12H30 et 14H30 (heure de Paris).

Le Festival de Berlin a décidé de suivre cet appel du 11 février en organisant une journée pour Jafar Panahi et Mohammad Rasoulov.

SOYONS NOMBREUX ! Pour Jafar Panahi et Mohammad Rasoulov devant la Cinémathèque vendredi 11 février à 12h30

2011-02-09T13:27:00.001+01:00

Pour le soutien à Jafar Panahi et Mohammad Rasoulov, les deux cinéastes iraniens condamnés, une mobilisation est prévue ce vendredi 11 février de 12h30 à 14h30 devant la Cinémathèque française (51 rue de Bercy – 75012).

Golshifteh Farahani et des personnalités françaises seront présentes pour lire le plaidoyer de Jafar Panahi.

Soutiennent d'ores et déjà cette mobilisation, les personnalités suivantes

Mathieu Amalric, Danielle Anezin, Solveig Anspach, Jean-Michel Arnold, Renato Berta, Catherine Bizern, Bertrand Bonello, Claudine Bories, Nicole Brenez, Valérie Cadet, Patrice Chagnard, Daniel Chabannes,Richard Copans, Arnaud des Pallières, Annie Ernaux, Tom Dercourt, Annie Ernaux, Pierre Gras, Denis Gheerbrant, Elise Girard, Romain Goupil, Cédric Kahn, Nicolas Klotz, Jean-Christophe Klotz, André S. Labarthe, Aïssa Maïga, Annie Maurette, Chiara Mastroianni, Marc’O, Valérie Mréjen, Bulle Ogier, Thomas Ordonneau, Elisabeth Perceval, Nicolas Philibert, Elie Poicard, Michelange Quay, Marie-Christine Quetesberg, Philippe Ramos, Claire Simon, Jean-Pierre Thorn, Marie-Claude Treilhou Agnès Wildenstein, etc.

Martin Scorsese a déclaré le 22 décembre qu’il fallait passer à l’action. Une mobilisation de soutien et de protestation a été lancée dans ce sens. Rafi Pitts – cinéaste iranien vivant en France – proche de Panahi et Rasoulov, a appelé à un arrêt de travail de l’industrie cinématographique partout dans le monde, le 11 février entre 12H30 et 14H30 (heure de Paris).

Cette date historique correspond au 32è anniversaire de la Révolution iranienne.

Le Festival de Berlin a décidé de suivre cet appel du 11 février en organisant une journée pour Jafar Panahi et Mohammad Rasoulov. A l’annonce de cet événement berlinois, le Président Ahmadinejad a fait savoir qu’il était contre la décision de justice prise à leur égard. Depuis plus rien.

Les deux cinéastes peuvent être emprisonnés à tout moment.

Une mobilisation en France- pays des Droits de l’Homme et du Cinéma- est nécessaire pour interpeller les membres du pouvoir iranien et leur dire qu’en ce jour anniversaire, NOUS LES REGARDONS.

Il faut que tous ceux qui font le cinéma, leurs organisations professionnelles et ceux qui s’insurgent contre ces sentences s’emparent de cette initiative et relayent ce message.

Le rassemblement se fera devant la Cinémathèque française, le 11 février à 12h30.

Merci d'en faire l’échos et vous joindre à cette mobilisation pour que Jafar Panahi et Mohammad Rasoulov retrouvent leur liberté.

Non coupable (L'Avocat)

2011-01-25T20:19:00.000+01:00

Avec son deuxième film, l’ancien critique des Cahiers du cinéma Cédric Anger poursuit son analyse du polar. Toujours sous l’influence hitchickoco-de-palmienne de son précédent film Le Tueur le cinéaste ne parvient pas à atteindre les noirceurs de la psychologie humaine comme le fait Le Petit lieutenant de Xavier Beauvois (dont Anger était le scénariste). L’Avocat déçoit non pas par la mise en perspective d’un pseudo pacte faustien dans le milieu du droit, mais dans la chute finale et dans la composition des personnages.

Léo (Benoît Magimel) vient de finir ses études de droit et commence sa carrière dans un grand cabinet d’avocats. L’occasion poindre pour faire évoluer sa carrière d’un grand coup, il va devenir le protecteur judiciaire attitré d’un mafieux du coin (Gilbert Melki) dont les affaires sales trempent dans le recyclage de déchets toxiques. Cette fulgurante ascension va alors marquer un véritable changement dans la vie du jeune Léo qui, comme Faust dans la pièce éponyme de Goethe, ne devra son salut que par le sauvetage d’une âme pure, Marguerite pour l’auteur allemand et Eve (Aïssa Maïga) dans le film. Le film aurait sûrement tenu la route si le casting ne se complaisait pas dans une attraction d’acteurs stars. Magimel semble mal à l’aise, étriqué dans les costumes cintrés du jeune prodige, tandis que Melki n’est absolument pas convaincant dans le rôle d’un gangster qui recycle.

Ce qui tarit le film, c’est son schéma digne du purgatoire de Dante. Dès le début, un corps est amené a l’hôpital et comme une voix d’outre-tombe celui-ci va raconter son parcours jusque dans ce lieu entre la vie et la mort. On l’aura compris, il s’agit de Léo qui dans un dernier souffle tente de comprendre (et de faire comprendre) les chemins qui l’ont amené jusqu’à la dernière destination. Outre que ce dessin scénaristique devrait être banni depuis maintenant un certain temps, la sauce du film ne prend pas, justement parce que la solution est donnée dans les premières images.

Comme la plupart des critiques passés derrière la caméra, Anger ne peut pas s’empêcher d’agrémenter son film de citations cinématographiques, et toute la trame n’est ici ni plus, ni moins qu’un copié coller du prodigieux film de De Palma L’Impasse qui racontait sous le même dispositif la rédemption d’un ancien petit malfrat joué par Al Pacino. Il est dommage, à la différence de Le Tueur, qu’Anger n’est pas garder le côté suspense hitchcockien qu’il avait très bien su créer dans sa précédente histoire avec un personnage qui attend et s’ennui. Ici tout est donné trop vite, avalé et digéré.

Cependant, le réalisateur français possède de nombreuses qualités, comme son talent pour la mise en place de cadrages et de lumières qui lui servent ici, comme dans Le Tueur, à relater le trouble intérieur des personnages. Mais sans avoir une histoire qui tient la route et des acteurs qui puissent incarner les personnages pour que le spectateur s’immerge dans la totalité dans ce second film. Cédric Anger ne reste pas moins un très bon faiseur de film et même si ce deuxième coup d’essai ne le fera pas rester dans l’histoire du cinéma, on peut penser que celui-ci lui servira d’exercice pour parfaire sa technique de la narration et du rythme, deux éléments dont les polars français ont fortement besoin.

L’Avocat (sortie le 26 janvier 2011)

Un film de Cédric Anger

Avec Benoît Magimel, Gilbert Melki, Aïssa Maïga

Les fantômes d'Eastwood (Au delà)

2011-01-25T20:13:00.000+01:00

Clint Eastwood comme à son habitude signe une œuvre éblouissante de complexité et d’émotion. Pour Au-delà le réalisateur américain semble propulsé par une envie de passer la frontière de ses précédents films. Eastwood se complait dans la mise en image de fantômes qui hantent la pellicule. Dans Josey Wales hors la loi, Pale Rider, ou ses autres westerns, ses personnages sont toujours des hommes ayant succombés à la mort, revenus d’outre-tombe pour se venger tels des anges de l’apocalypse. Même dans son film de guerre Lettres d’Iwo Jima, les plages de l’île du Pacifique n’étaient qu’arpentées par des ectoplasmes en attentes d’une dernière bataille, en attente de franchir le pont entre la vie et la mort. Au-delà est ce pont dans la carrière du réalisateur. Plus seulement suggérée par des tournures de scénarios ou de plans, la mort est ici le propos même du film. À mi-chemin entre le fantastique et le drame, le nouveau film de Clint Eastwood renverse les codes du genre et de l’auteur.

Premier film choral, le cinéaste joue de l’entremêlement de trois histoires se déroulant dans trois pays différent. Marie Lelay (Cécile de France) jeune journaliste française carriériste en vacances en Thaïlande en 2004 pendant le tsunami. Viennent s’entrecroiser la vie d’un jeune londonien, Marcus (George McLaren) ne parvenant pas à faire le deuil de son frère jumeau, Jason (Frankie McLaren) et George Lonegan (Matt Damon) qui arrive à communiquer avec l’autre monde, mais ne supporte plus ce fardeau.

Dès l’incipit, en Thailande, le réalisateur parvient à faire preuve d’un réel sens de l’utilisation des effets spéciaux et du sens du cadrage. Il crée ainsi par la présence de la mer un parfait sentiment d’angoisse avant même que la déferlante ne vienne submerger le littoral et par la même occasion la protagoniste. Rarement dans la carrière du cinéaste les premières séquences auront été aussi fortes, ni si bien filmées que dans celle de Au-delà

Par la mort, Eastwood établit une connexion entre tous ses personnages. Elle les relie, mais aussi les empêche d’évoluer. La journaliste ne parvient plus à travailler, le médium ne peut pas avoir de relation sentimentale et le jeune garçon ne sait plus réellement s’il est Marcus ou Jason. C’est à travers le va et vient des frontières et des histoires que le cinéaste parvient à créer un flux entre tous les personnages. Et comme chez Dickens, largement cité dans le film, les protagonistes finissent toujours par rejoindre le fil de leur destinée et de leur vie. Comme dans tous les films d’Eastwood le manichéisme est, bien entendu ultra exacerbé. Ici point d’antagonistes, mais en parallèle de l’histoire, il dresse un tableau de notre époque à travers des événements comme le tsunami thaïlandais ou encore les attentats du métro de Londres. Ces événements sont des éléments historiques qui placent le récit dans une temporalité du passé certes proche, mais qui ne s’écrivent donc pas dans le présent comme une histoire dont nous devons nous aussi faire le deuil.

Comme Woody Allen ou encore Claude Chabrol de son vivant, pas une année ne se passe sans voir l’empreinte de Clint Eastwood. Est-ce l’envie d’un homme de faire des films avant qu’il ne soit trop tard et que les rides aient rayé la pellicule. Quoi qu’il en soit Eastwood surprend par sa qualité et la précision de sa mise en scène et l’ingéniosité de son dispositif qui permet à un scénario parfois faible de renaître par l’image.

Au delà (sortie le 19 janvier 2011)

Un film de Clint Eastwood

Avec Cécile de France, Matt Damon, George et Frankie McLaren

« Frappez fort, comme pour réveiller un mort. » (Le Dictionnaire Eustache sous la direction d’Antoine de Baecque)

2011-01-23T22:07:00.000+01:00

Comme en chaque fin d’année et début de nouvelle année, un florilège de dictionnaires inondent les devantures et les étalages de toutes les bonnes librairies. Mis côte à côte, vous pourrez voir se croiser des titres tels que Dictionnaire amoureux du rock (Antoine de Caunes, Plon), Petit dictionnaire des mots retrouvés (collectif, JBZ et Cie) ou encore 300 cotations pour aimer le vin (Hubert Piat, Dunod). Dans cet éventail de propositions, il est toujours grandement compliqué de faire son choix. Même le cinéma sort ses dictionnaires. Les plus célèbres traitent des films et qui chaque année mettent à jour une base de données toujours plus conséquente. Ce genre de dictionnaires est pour la plupart des suites de noms sans réelles éruditions. Mais certains livres sortent parfois du lot.

En 2008, Antoine de Baecque avait déjà signé avec d’autres auteurs un dictionnaire sur un réalisateur : Dictionnaire Pialat (sous la direction d’Antoine de Baecque, éditions Léo Scheer). Cette année encore vient de paraître un livre que beaucoup d’aficionados doivent attendre : le Dictionnaire Eustache. Le plus dandy des réalisateurs français, mais aussi celui qui a le plus marqué l’histoire avec des films fleuves comme La Maman et la putain (1973, Grand prix spécial du jury au Festival de Cannes de la même année) ou encore Mes petites amoureuses (1974), mais aussi des oeuvres courtes comme Le Père Noël a les yeux bleus (1966). Chacun de ses films a marqué d’une certaine manière son époque et celles qui ont suivi. Hors de chaque mouvement, en parallèle de la Nouvelle Vague, Jean Eustache est l’homme pour qui la mise en scène et l’art cinématographique prenaient une grande part, jusqu’à mettre en scène de façon macabre sa propre mort d’une balle dans le cœur avec un mot sur la porte : « Frappez fort, comme pour réveiller un mort. »

Antoine de Baecque avec son Dictionnaire Eustache rend un véritable hommage au réalisateur. Plus qu’une accumulation d’informations plus ou moins captivantes, l’ancien rédacteur en chef des Cahiers du cinéma et des pages cultures de Libération, épaulé par une cohorte de journalistes et de chercheurs tel Jean Douchet, Philippe Azoury, Michel Marie, etc. va sérieusement revenir sur chacun des mots importants du cinéma et du cinéaste. L’alcool, les gauloises, les acteurs et le vocabulaire cinématographique vont passer sous la loupe de ces éminents spécialistes du cinéma d’Eustache. Et bien que ce livre ne se résume pas à un abécédaire, il en a cependant l’attrait par sa facilité de lecture et son approche de l’auteur. Ici pas d’accumulation d’anecdotes, mais une véritable expérience d’analyse, un voyage dans l’univers de l’un des plus grands auteurs du septième art français. Bien plus qu’un rappel de son œuvre, ce livre est la résurrection de l’artiste.

Dictionnaire Eustache
Sous la direction de Antoine de Baecque
Editions Léo Scheer
ISBN : 2756102709

Interview Antoine de Baecque pour Deux de la vague

2011-01-23T21:52:00.002+01:00

Comment vous est venue l’idée d’écrire ce scénario ?

Le projet est né d’une rencontre avec Emmanuel Laurent, un documentariste qui fait plutôt des films scientifiques. On s’est rencontré, il avait lu mon histoire des Cahiers du cinéma et la biographie de Truffaut et il m’a demandé si je voulais bien travailler avec lui. Pour avoir fait la biographie de Truffaut et celle de Godard, je connaissais leur rencontre, cette amitié, et aussi cette rupture, je souhaitais raconter autrement l’histoire, en construisant une sorte de narration, je dirai presque une sorte de « fiction ». Dans le documentaire proprement dit, il y a toute une construction et qui n’est pas du tout la même chose que d’écrire une grosse biographie. C’est un peu ça qui m’a motivé, de pouvoir travailler autrement, raconter autrement une histoire que je connaissais.

Comment vous êtes vous réparti le travail avec Emmanuel Laurent, le réalisateur. Lorsque l’on voit le film, on sent beaucoup votre patte par le travail avec les archives, ce que vous faites déjà beaucoup dans vos livres ?

Ce n’est pas faux, je pouvais amener cela au film, ma connaissance des documents, des archives de l’un et de l’autre. On sent aussi ma présence, au sens où c’est mon récit et c’est donné explicitement comme cela puisque c’est moi qui suis au début du film et que c’est ma voix qui raconte le film. Mais avec Emmanuel on s’est reparti le travail les extraits montés en parallèle, des films de Truffaut et de Godard. Et c’est très passionnant de voir comment ces films se répondent sur toute cette histoire d’amitié qui dure sur presque quinze ans. Emmanuel Laurent, la monteuse et moi, on a travaillé tous les trois ensembles pour choisir des extraits, les monter, donner une sorte de rythme au film.

Pourquoi avoir choisi Isild le Besco comme passeuse pour la nouvelle génération ?

J’ai un lien fort avec elle. Je l’ai découverte comme actrice et cinéaste, elle avait à peine 20 ans, et j’ai été conquis par sa présence, par son cinéma. Je trouve qu’elle a une volonté impérieuse de faire du cinéma et d’en faire avec les risques que cela comporte. Dans l’urgence. D’une certaine façon elle est une incarnation de ce qu’à pu être faire du cinéma pour un jeune homme de 25 ans en 1960. Quand Truffaut a commencé à tourner Les Mistons et Les 400 coups, quand Godard s’est mis à tourner ses courts métrages et A bout de souffle, ils étaient dans le même état d’esprit. Donc Isild le Besco incarne certainement quelque chose qui vient de là. Je pense qu’elle touche sa génération à elle. C’est pour cela qu’on lui a demandé de jouer ce rôle, de faire passer cette histoire.

On pourrait vous reprocher de faire un film sur une histoire connue. Pensez vous, comme beaucoup d’œuvres historiques, que la répétition de ce moment puisse amener une sorte de transmission à une nouvelle génération ?

Bien entendu il y a une sorte de transmission, mais d’une autre forme. Ce que l’on transmet dans un film comme cela, c’est une émotion qui passe par un récit. Et un récit d’amitié comme ça, je pense que le cinéma, un documentaire en tout cas, est le mieux placé pour le raconter. Pour moi, dans ce travail-là, il y a sûrement l’idée de transmettre autrement et peut-être non pas intensément, ni massivement, mais autrement une histoire que j’ai déjà racontée. C’est vrai que, le film pour ceux qui connaissent cette histoire, n’apprend rien en terme factuel. Simplement, je pense qu’il permet de faire histoire au sens de faire récit, de faire narration. Il permet aussi de faire passer une émotion. Et puis je trouve que ce qu’apporte aussi le documentaire par rapport aux livres, c’est une place presque mythologique. On est dans une histoire qu’on connaît et documentée largement, mais en même temps, là, tout d’un coup, dans le tremblement d’un noir et blanc, dans le montage entre un entretien et un extrait, dans un ralenti que l’on peut tout d’un coup faire passer, tout cela prend une forme quasi mythologique. Je pense que c’est quelque chose qui effectivement est un peu aux origines de désirs du cinéma que peuvent ressentir les générations depuis quelques temps et notamment aujourd’hui.

Peut-on considérer que la séparation Truffaut / Godard prévaut à la mort de la Nouvelle Vague ?

Le film commence avec le triomphe de la Nouvelle Vague et se finit dans la mort de celle-ci. C’est un film, je dirai, assez désespéré, c’est une construction mélancolique aussi. On va vers quelque chose qui est la fin d’une histoire, la fin d’un succès et la fin d’un genre. Je pense que le film essaie de montrer que le triomphe de la Nouvelle Vague est quelque chose de très éphémère et qui est remis en cause à plusieurs reprises. Très vite d’ailleurs, par une série d’échecs, des gens comme Rivette ou Rohmer ont du mal à passer au long-métrage. C’est aussi une amitié qui se construit dans cette adversité-là. Rapidement les films n’ont plus le succès qu’ils ont eu, les ennemis de la Nouvelle Vague se redressent et attaquent de façon très virulente. Le deuxième temps de cette amitié consacre aussi la fin de cette histoire où 15 ans plus tôt s’était rencontré dans une bande, celle des Cahiers du cinéma. Un groupe qui a éclaté assez vite au sens où les 5 principaux, dès le début des années 60 savent qu’ils ne font pas le même cinéma. La rupture de 73 consacre la fin de la Nouvelle Vague, c’est à la fois la fin d’une amitié et celle d’un mouvement. À partir de ce moment-là, chacun va travailler vraiment très seul dans son coin, cela ne les empêche pas de faire une œuvre, mais en même temps les films n’ont plus rien à voir.

Qu’est-ce qui vous a donné envie de mettre en image vos écrits ?

Je suis essentiellement un homme de l’Histoire, du document, de l’archive, de l’écriture, et donc j’y trouvais un accomplissement. Dans un documentaire il y a deux choses importante pour moi : il y a une fiction, presque une forme de fictionnisation de cette histoire qui devient une histoire d’amitié universelle et donc dans la construction de cette histoire du film même, il y a vraiment un travail de narration. Et puis il y a sûrement une confrontation de ce que l’on pourrait appeler le fétichisme du mouvement presque un sentiment de puissance comme de réveiller les morts, de redonner mouvement aux fantômes. C’est quelque chose d’extrêmement émouvant, l’écriture du commentaire s’est fait concrètement à partir d’un montage muet et en même temps sonore par les paroles des entretiens. À partir de là et de façon très précise, il fallait écrire un texte dans le tempo et dans les arrêts, les reprises s’immiscent, se fusionnent en quelque sorte avec l’image. Donc là il y a vraiment un moment où l’écriture est proche de l’image et ça c’est quelque chose qui était extrêmement important pour moi et inversement c’était une écriture qui était précisément libre par l’image, par le mouvement, par le rythme, j’étais face à un autre type d’écrit et c’est en cela que j’ai pris beaucoup de plaisir à faire Deux de la vague.

Prendre la vague (Deux de la vague)

2011-01-11T20:43:00.001+01:00

L’année 2010 aura été pour les réalisateurs de la nouvelle vague une année importante. Certains ont tourné leur dernière bobine comme Eric Rohmer qui nous quitte en janvier 2010 ou encore Claude Chabrol qui le rejoint en septembre de la même année. Jean Luc Godard marque de son coté les esprits par le très provocant Film socialisme qui aura fait de nouveau parler du cinéaste franco-suisse, tout comme la biographie non officielle à succès écrite par le scénariste du documentaire Deux de la vague Antoine de Baecque, spécialiste français de la Nouvelle Vague. Il signe également des ouvrages tels que François Truffaut, La Cinéphilie, ou encore L’Histoire des Cahiers du cinéma.

Pour Deux de la vague, l’historien a choisi non pas de réaliser un film, mais d’écrire un scénario avec comme idée principale la relation Truffaut/Godard et la séparation de ce couple si mythique. Pour l’aider dans sa tache et le libérer de la contrainte des images il laisse au documentariste Emmanuel Laurent le soin de la réalisation. Même si le nom de De Baecque n’apparaît pas à la mise en scène, on y retrouve sa « patte » de chercheur. Ici, il n’est plus question simplement de citer, mais de montrer, de mettre en image, des années de recherche et de confrontation avec une histoire, celle de deux hommes exceptionnels traversant une même passion : le cinéma. De Baecque mis en scène dés le début du film, il introduit les images qui vont se dévoiler, et c’est par sa voix que vont se succéder des relations et des artistes hors du commun. Comme dans n’importe quelle histoire dramatique, de la rencontre à la rupture, le documentaire s’évertue à tracer un panel d’images d’archives et de lectures de lettres afin de nous immerger dans le monde de François Truffaut et Jean-Luc Godard. À travers ces deux figures emblématiques, c’est aussi toutes une partie de l’histoire de France et du cinéma qui défile.

Il serait facile de reprocher au scénariste et au réalisateur de ne pas innover tant l’histoire de ces deux personnages est connue par le plus grand nombre de cinéphiles. Mais ce film est un document de transmission, une ouverture vers un autre public. Deux de la vague est un film sur la passation, celle d’une génération qui a révolutionné le cinéma français et qui encore aujourd’hui se retrouve dans bon nombre de films contemporains comme chez Christophe Honoré ou chez Isild le Besco, présente dans le film. Chris Marker la pose d’ailleurs en digne héritière de la Nouvelle Vague.

Antoine de Baecque, aidé par Emmanuel Laurent, est ce que Serge Daney appelait un passeur. Ils transmettent à travers ce film et ces images d’archives toutes une forme de passé conjugué au présent de la relation des deux plus grands cinéastes du mouvement.

Deux de la vague (sortie le 12 janvier 2011)

Un film de Emmanuel Laurent, écrit par Antoine de Baecque

Avec Isild Le Besco

Bienvenue l'indé (Welcome to the Rileys)

2010-11-15T16:58:00.001+01:00

Jake Scott (fils de Ridley Scott) signe là une véritable perle du cinéma indépendant américain. Interprété avec brio par le parrain névrosé des Sopranos, James Gandolfini, Welcome to the Rileys est une comédie dramatique qui se joue des simulacres. Doug Riley (James Gandolfini), dépressif après la mort de sa fille, passe son temps entre sa maison, d’où sa femme (Melissa Leo) n’ose plus sortir, et ses déplacements professionnels. Lors de l’un d’eux, il fait la connaissance d’une jeune strip-teaseuse au langage corsé (Kristen Stewart), et s’attache à cette jeune personne. Une relation père-fille va se créer entre eux.

De prime abord, cette production des Frères Scott peut faire peur, mais c’est une véritable surprise qui s’offre dès les premières images. On aurait pu s’attendre à un film d’action, à l’instar des réalisations des autres membres de la famille, mais le jeune réalisateur a su prendre le contre-pied et réalise un film calme et emprunt de maturité. Pas d’effets outranciers, mais une caméra proche des corps, et une intensité dramatique sans tomber dans un effet « tire larmes ». Welcome to the Rileys met en scène la disparition d’un être cher huit, drame dont aucun membre de la famille n’a pu réellement se relever. L’arrivée d’un vilain petit canard, servant d’enfant de substitution, permet une forme de thérapie et de régénérescence de la cellule familiale.

C’est aussi une autre forme de régénérescence qu’offre le film, celle d’un acteur. Depuis la fin des Sopranos, James Gandolfini était très souvent cantonné à des seconds rôles. Rien ne semblait lui sourire après l’apogée qu’il a connu durant toute la longueur de cette série télévisée si emblématique. Welcome to the Rileys au contraire lui donne la chance de montrer une autre facette de ses talents de comédien. L’ensemble du film joue de la dualité entre le Tony-mafieux des Sopranos et le Doug-papa-gâteau. Mais ici le corps de Gandolfini est plus lourd, corpulent, et sa respiration omniprésente (un souffle au premier plan sonore qui finit par vampiriser tout l’espace) comme un acte de survie. Premier grand rôle sur grand écran pour Gandolfini et essai transformé par cet excellent acteur qui, maintenant on le sait, peut jouer autre chose qu’un mafieux sous prozac.

Jake Scott réussi avec ce film un pari ambitieux. Sa mise en scène, son approche des acteurs, son jeu pour les prendre à contre-pied fait de ce petit bijou indépendant un grand film porté par un excellent casting. Il est rare de voir un cinéaste américain réussir à filmer ses personnages sans surenchérir dans l’émotion avec vocabulaire technique trop prononcé. Cela traduit une vraie confiance dans chacun de ses représentants à l’image et une virtuosité dans le choix des cadres.

Pour beaucoup, le cinéma indépendant américain était mort et enterré. Sur les écrans, il n’était alors possible de voir que de pâles copies de films ayant fait les beaux jours du Festival de Sundance sans pour autant retrouver la hargne et la jeunesse des œuvres indépendantes US. On peut dire qu’avec Welcome to the Rileys, Jake Scott annonce une renaissance de ce cinéma avec l’espoir de revoir des films pour qui les idées et le style sont plus importants que les millions.

Welcome to the Rileys (sortie le 10 novembre 2010)

Un film de Jake Scott

Avec Kristen Stewart, James Gandolfini, Melissa Leo,...

Simple détour (Le Dernier voyage de Tanya)

2010-11-03T17:59:00.001+01:00

Sur l'idée simple d’un dernier voyage comme rite funéraire Aleksei Fedorchenko signe une oeuvre magnifique et inattendue.

Miron (Yuriy Tsurilo), aidé d’un ami, Aist (Igor Sergeyev), veut enterrer sa femme dans la tradition des Mérias, ancien peuple de la Russie ; brûler le corps et le rendre à l’eau fait partie de ces rites de passage entre la vie et le néant.

Par un dispositif simplissime, dans une voiture avec une conversation entre les deux amis à propos du couple et de la défunte, le cinéaste parvient à capter des instants de vie comme aucun autre réalisateur aujourd’hui. Avec des effets rudimentaires de panoramiques, on est invité à voyager avec les protagonistes entre passé et présent le tout mené par une voix-off à la Balzac, sortie d’outre-tombe, comme de l’hypnose.

Proche des meilleurs films de Kiarostami, Fedorchenko opte pour une sincérité de l'image comme l’on en a rarement vu. Le Dernier voyage de Tanya restera le plus beau film de cette fin d’année et une grande surprise

Lire la critique sur Il était une fois le cinéma.com

Le Dernier voyage de Tanya (sortie le 3 novembre 2010)

Réalisé par Aleksei Fedorchenko

Avec Igor Sergeyev, Yuriy Tsurilo

Sombres clichés (Des filles en noir)

2010-11-03T15:13:00.001+01:00

Cliché du début à la fin, ce film ne donne pas seulement une mauvaise image de la jeunesse, c'est également un désastre cinématographique.

Jean-Paul Civeyrac tente avec Des filles en noir une certaine approche de la jeunesse. Pas celle en rose comme dans les séries américaines, non, celle aux habits noirs, aux idées noires, et aux tentatives de suicide. Ha, la jeunesse d’aujourd’hui ! Ses incompréhensions, ses attentes, ses envies, mais aussi son mal-être, le tout condensé en une fiction d'une heure trente filmée avec les pieds.

Noémie (Léa Tissier) et Priscilla (Elise Lhomeau) sont deux adolescentes gothiques mal dans leurs peaux et qui décident de se suicider. Civeyrac veut se plonger dans un microcosme mais ne parvient pas à franchir la porte de ce lieu. Il ne fait que succéder idées préconçues sur idées préconçues sans jamais obtenir une once de réalité. Même la forme de son film devient une insulte aux adolescents filmés tant la tâche semble lourde. Pas un plan n’est là pour rattraper l’autre et il n'y a aucune initiative technique qui relèverait les clichés débités.

Selon lui, tous les gothiques veulent se suicider et le plus souvent à cause d’une histoire de cœur (forcement!), et l’ami de la famille qui assiste au repas est logiquement un pervers alcoolisé qui va tenter de violer une des deux filles.

En plus d'amalgames inopportuns Civeyrac surenchérit en effets de style inutiles, comme la montée d’un brouillard à la Fog pour mettre un petit quelque chose de fantastique dans le récit, ou encore Noémie en pleurs se tortillant sur un tapis le tout filmé en une plongée dramatique comme si le monde la regardait et la jugeait. Lourd !

Tout dans Des filles en noir sent le mauvais sens, ou plutôt la mauvaise blague du cinéma français.

Des filles en noir (sortie le 3 novembre)

Réalisé par Jean-Paul Civeyrac

avec Léa Tissier, Elise Lhomeau

Petit Carles contre les "Grands" (Fin de concession)

2010-11-03T14:46:00.002+01:00

Avant même sa sortie en salle, Fin de concession créait déjà le « buzz » (quel mot déplorable!). Des extraits diffusés sur la toile, ont été repris par certains journalistes qui, sans avoir vu le film, le critiquaient éhontément. Mais Pierre Carles semble rodé, les sujets qui dérangent sont sa passion.

Après s’être attaqué au monde du travail avec le prodigieux J’ai très mal au travail, Il revient aujourd'hui à ses premières amours, la critique des médias. Au début de sa carrière, chroniqueur virulent pour de nombreuses chaînes hertziennes françaises, ses attaques prenaient toujours en exemple les émissions de l’époque et mettaient bien souvent patrons de chaînes et présentateurs dans un grand embarras.

Pierre Carles a changé. Loin du petit chroniqueur aux chemises bariolées des années 90, il est devenu un grand documentariste qui n’hésite pas, depuis ses premiers films; à mettre des coups de pieds dans la fourmilière. Dans Fin de Concession, il s’attaque à un géant, TF1. Sorte de lutte entre David et Goliath puisque lui, armée de sa fronde et de sa petite équipe d’amis va tenter de mettre à terre le tout puissant. Le documentaire dénonce le renouvellement automatique de la concession hertzienne de la première chaîne détenu par Bouygues alors que celui-ci ne tient pas les promesses qui lui ont valu d'obtenir TF1. Avec sa très grande ironie et à coup d’images d’archives, le réalisateur montre comment, sous la tutelle d’un Bernard Tapie plus manager et manipulateur que jamais, et à de mensonges et de promesses à l’emporte pièce l’équipe Bouygues a réussi le plus grand hold-up du siècle.

Mais entre action et remise en question, Pierre Carles signe surtout un film Work in progress empreint de la peur de ne pas en faire assez, de vieillir, de ne plus être aussi cinglant. Au fil des interviews et des rencontres son animalité reprend le dessus face à des hauts dirigeants ou des journalistes de la chaîne. Mais pas seulement, puisque sa critique des médias le pousse aussi à s'interroger sur d'autres journalistes et notamment celui d'une chaine « publique » cette fois, David Pujadas. Dénoncé par de nombreux opposants pour son côté lèche-bottes et proche du pouvoir, le présentateur du journal de 20h de France 2 devient ainsi la nouvelle cible du réalisateur. Carles lui décernera d'ailleurs le prix du bouffon du roi avant de repeindre son scooter en doré le tout sous l’œil effaré de Pujadas.

Parfois tangent dans ses actions ou encore dans ses entretiens, Pierre Carles sait aussi se remettre en question. Et c'est toute la force du film. Moins un documentaire sur TF1, Fin de concession met en lumière la manière dont travaille le cinéaste, comment il obtient des entretiens, sous une fausse identité, avec culot. Une vraie bonne leçon pour les futurs documentaristes.

Fin de Concession (sortie le 27 octobre 2010)

Réalisé par Pierre Carles

Les pin-up au cinéma

2010-11-02T17:03:00.000+01:00

Sexe et cinéma ont toujours fait bon ménage. C’est d’ailleurs lors de séances obscures que la plupart des cinéphiles découvraient leurs premiers émois pour le sexe opposé. Rien de tel que la nudité, la suggestion d'un décolleté, une tenue provocante, ou encore une jambe dépassant d’une robe fendue.

Les pin-up ont été une marque de fabrique des studios américains pour racoler (le terme et fort et je le sais) auprès d’un public masculin en demande. Le livre de Jullier et Boissonneau retrace, à partir de données et d’intuitions personnelles, un historique de ces femmes dans l’espace cinéphilique hollywoodien. Depuis les prémices de l’histoire du cinéma, les deux auteurs tentent de percer les milles et un secret qui ont fait de ces belles si particulières un rôle incontournable dans le cinéma.

Si l’on peut être d’accord avec nombre de leurs exemples, comme Jane Russel dans Le Banni ou encore Marilyn Monroe dans tous ses rôles. Il y a cependant un abus dans le vocabulaire. Pour les deux écrivains, il semblerait que toute femme ayant un rôle dans un film, et qui n’est pas celui de la femme forte, se trouve alors dans la position de la pin-up. C’est faire table rase d’une certaine histoire du cinéma qui a vu naître aussi les Vamps, les Bimbos et tant d'autres genre d'actrices sexy uniquement présentes pour servir le film.

Il ne faut pas oublier qu’avant toute chose, les pin-up étaient des filles sur papiers glacés (Gibson Girl) que l’on prenait en photo pour allécher les clients à l’entrée des bars. Jullier et Boissonneau rappellent tout de même que dans certains films comme les films de guerre, où les filles n’avaient pas de place, le réalisateur s’arrangeait toujours pour coller aux murs ces photos de pin-up découpées dans les magazines. Les soldats les arboraient alors comme des trophées qui leur rappelleraient le pays ou une carotte donnée aux troufions pour les envoyer se battre avec plus de courage. Exemple très concret dans les Douze Salopards de Robert Aldrich, où les personnages sont amenés en perm' dans un bar décoré de pin-up avant de partir en mission,.

Si le livre se voit comme une historiographie de la pin-up, il faut cependant le lire avec beaucoup de précautions quant aux intuitions lancées sur certains exemples (Pamela Anderson en rôle de pin-up plus que de bimbo). On peut aussi regretter le manque de recherche esthétique, il n’y a rien sur le plan de la forme, ni dans la façon de filmer la pin-up. Les pin-up au cinéma reste donc un livre à prendre avec beaucoup de recul.

Les pin-up au cinéma

Laurent Jullier, Mélanie Boissonneau, avec l’équipe de Monsieur Cinéma

Armand Colin

N° ISBN : 978-2-200-24856-7

15, 80 euros

Vénus Noire

2010-10-26T20:43:00.001+02:00

Loin des clichés sur l’esclavage et le colonialisme, Abdellatif Kechiche signe encore une fois une œuvre forte et sans complaisance. Venus Noire retrace les dernières années de la « Venus Hottentote » de son vrai nom Saartjie Baartman (Yahima Torres). Elle se retrouve exhibée par ses patrons (André Jacobs, Olivier Gourmet) devant des publics voyeurs de ses formes (protubérance de ses fesses, mais aussi couleur de sa peau). Elle est présentée comme un animal que chaque personnages autour va ausculter ou encore toucher comme une bête de foire. La fameuse phrase d’ouverture : « Je n’ai jamais vu de tête humaine plus semblable à celle des singes » suggère déjà l’importance du regard et surtout du voyeurisme. Comme l’incipit d’Elephant Man de David Lynch, c’est sur la notion de différence et d’animalité que joue le réalisateur Kechiche.

Saartjie Baartman après avoir été exposée devant le public anglais, qui finira par la traduire devant les tribunaux pour insulte au peuple d’Afrique, quitte l’île pour venir dans les quartiers libertins de Paris. À partir de là rien ne va plus pour la jeune protagoniste. Ce n’est plus de danse ou encore de spectacle dont il est question, mais de prostitution. Elle doit montrer son anatomie et se faire toucher par les bourgeois afin de leur rendre leur plaisir.

Dur et langoureux voilà comment pourrait se traduire la deuxième partie du film, mais Kechiche offre des instants magiques. On soulignera la scène de la danse, qui n’est d’ailleurs pas sans rappeler les dernières minutes du film La graine et le mulet du même cinéaste. Ici, ce n’est plus dans l’effort que le corps vit mais dans la transe, comme un exutoire, la vénus va danser jusqu’à n’en plus pouvoir pour essayer de sortir de ce cauchemar. Instant décisif et en même temps particulièrement beau et simple.

Comme dans ses précédents films, comme La faute à Voltaire ou encore L’Esquive, les jeux de langues ont encore une place importante. Mais ici ce n’est plus seulement la langue de Molière qui est étudiée, Venus Noire joue sur une mixité des langages. Les patrons passent de l’Africain à l’Anglais et au Français comme les adolescents de L’Esquive alternent langue de Marivaux et le vocabulaire des banlieues. Ce mélange des couches sonores, ce passage constant entre les différentes formes de communication est surtout mis en place par le manque de paroles de la vénus qui ne parle qu’africain et ne comprend pas les autres. C’est par le visage de l’actrice et surtout par son regard que le cinéaste va parvenir à une autre forme de communication, celle de l’instinct et des émotions.

Tout repose sur un jeu de regardant-regardé, quoi qu’il se passe dans le cadre, un personnage est toujours le centre des attentions. La science et l’étude du corps encadrent le film et renvoient à ce genre de dialogue. L’assemblée contemple un moulage de ce que fût la vénus, sans aucun intérêt pour l’être, mais s’attachant à l’animal qui se rapproche du singe.

Avec Vénus Noire, Kechiche parvient encore une fois à marquer. Le film est une transe qu’il faut laisser vagabonder dans nos esprits.

Vénus Noire (sortie le 27 octobre 2010)

Réalisé par Abdellatif Kechiche  

Avec Yahima Torres, André Jacobs, Olivier Gourmet

L’Europe fait son cinéma (Festival Cinéssonne)

2010-10-26T20:11:00.001+02:00

Du 8 au 23 Septembre, le 12^e Festival du Cinéma Européen en Essonne a encore une fois apporté son flot de nouveautés. Projetés dans la plupart des cinémas de la région, les films voyagent de salle en salle pour le plaisir et la découverte d’un public toujours assidu.

La Compétition Officielle marque par un éclectisme percutant. Les douze films sélectionnés ont pour la plupart de réelles qualités. Le festival s’attache à promouvoir des films européens qui pour la majorité ne sont jamais projetés en dehors de leurs pays.

Les œuvres présentées en compétition ont souvent comme leitmotiv les frontières et un vrai point de vue sur l’Europe.

C’est le cas par exemple de la comédie roumaine Wedding in Basarabia de Nap Toader. Avec une idée simple, un mariage entre deux personnes de deux communautés différentes (Slovaque et Roumaine), le réalisateur tente de mettre en avant les conséquences de la chute de certaines barrières par l’humour et la fête.

Sur un autre genre de dénonciations, celle des difficultés économiques liées à l’Europe, Slovenian girl (Damjan Kosole) narre le parcours d’une jeune étudiante qui se prostitue afin de payer ses études. Elle profite de la présidence de la Slovénie au Parlement Européen pour accrocher des clients diplomates. Décevant sur son intention esthétique, le film ne parvient pas à rehausser par ses propos.

Le film autrichien Der Kameramörder (Robert Adrian Pejo) située entre l’Autriche et la Hongrie trace la recherche d’un tueur d’enfant dans une atmosphère étouffante à la Haneke sans toutefois parvenir à trouver une réelle justesse et donner un sens à tout ce suspense.

Shahada, film allemand de Burham Qurbani traite quant à lui des différentes cultures et religions dans un pays en plein essor. Premier long-métrage, il ne manque pas d’effets de style et d’une bonne mise en scène pour un film choral proche de Innaritu et son Babel. Le cinéaste ne parvient toutefois pas à s’extraire de cette référence, mais il faut reconnaître à son auteur une certaine aisance dans le rythme et dans le choix des cadrages.

Les autres films de la Compétition Officielle moins communs par leurs thèmes n’en restent pas moins des œuvres visuelles intéressantes.

Metropia de Tarik Saleh, seul film d’animation du programme, œuvre entre 1984 de George Orwell et un mélange d’images animées et de prises de vue réelles.

Un film Hongrois a particulièrement retenu l’attention lors de ce festival, Adrienn Pal d’Agnés Kocsis. L’histoire d’une jeune infirmière un peu forte, qui travaille dans les soins palliatifs d’un hôpital, en quête de son amie d’enfance. Ce film émouvant et parfois dur par sa longueur (2h16) capte pourtant l’attention par l’élaboration scénique de la cinéaste. Sans complaisance avec son personnage, les plans qu’elle soumet sont dignes des très grands films sur le désoeuvrement et la recherche du « Soi ». Par son enquête sur son enfance, la protagoniste va se perdre dans les méandres de la ville qui la rejette toujours.

Le festival Cinéssonne aura surtout marqué cette année par l’arrivée de véritables perles cinématographique.

Le dernier voyage de Tanya (Aleksei Fedorchenko) est resté très présent dans les esprits après sa projection. Ce voyage dans le rituel mortuaire d’une Russie campagnarde a surtout inspiré par sa mise en scène digne de la distanciation des plus grands films d’Abbas Kiarostami. Ce film donne une idée de la campagne oubliée russe et de ses cultures. Se laisser transporter par ce film est un véritable plaisir visuel.

Le Quattro Volte, poème visuel italien de Michelangelo Frammartino, restera comme La découverte du festival, une véritable claque cinématographique. Rarement dans le cinéma, il aura été donné de voir autant de propositions tant visuelles qu’auditives. Ce film muet, filmé dans un village montagneux d’Italie laisse au spectateur le plaisir de vagabonder dans son esprit. Ce pur plaisir contemplatif relève d’une véritable jouissance de la vue. Proche des photographies d’Henri Cartier-Bresson avec ces perpendiculaires et son instant décisif. Le cinéaste semble capter des instants de vie dans un petit village oublié de tous les problèmes. Véritable transe audio-visuelle ce film ne laissera personne sans émotions qu’elles soient bonnes ou mauvaises.

Étrangement, les films français n’ont pas été à la fête lors de cette édition.

Des filles en noires de Jean-Paul Civeyrac, cherche à comprendre le malaise de deux adolescentes gothiques en proie à un désir de mort. Par son abondance de clichés, le film perd de son intérêt dès les premières minutes. On pense plus à la mauvaise image donnée à une jeunesse en marge, qu’aux propos mêmes du récit. Le cinéaste dépeint un certain groupe social en le regardant de haut sans parvenir à le comprendre.

Le même reproche peut être fait à Memory Lane de Mikhaël Hers. Son portrait d’un groupe d’adolescents se retrouvant pour les vacances d’été dans la ville de leur enfance paraît tout droit sorti des idées préconçues sur la jeunesse aujourd’hui dans ses goûts musicaux, sur l’amour ou encore les relations. La mise en scène, par la surabondance d’effets, allant du travelling qui ne sert à rien sur des arbres au ralenti plus que rebutant pendant une soirée, met le spectateur mal à l’aise. Il se perd dans les méandres d’un voyeurisme malsain avec une séquence érotique très longue et très crue. Du voyeurisme à l’abjection, il n’y a qu’un pas et Hers, malheureusement, y est tombé dedans des deux pieds.

Géraldine Bajard quant à elle essaie avec La Lisière de s’engouffrer dans le cinéma fantastique. Un jeune médecin arrive dans une nouvelle ville et va être pris à partie par les jeunes, qui, comme une meute, ne parviennent pas à vivre les uns sans les autres. Ce film inspiré du Village des damnés de John Carpenter n’arrive pas à tendre vers l’horreur de l’animalité enfantine.

Mais il n’y a pas que les Français qui ratent leur coup. Mardi après Noël, du Roumain Radu Muntean, raconte une rupture douloureuse après une infidélité et ne réussit pas à se dégager de son opiniâtreté classique. Ce film ne laisse aucun arrière-goût tant il manque d’inventivité et de modernité sur les rapports humains.

Quoi qu’il en soit, le Festival du Film Européen en Essonne aura encore une fois marqué par son choix d’œuvres innovantes tout cela agrémenté de rétrospectives et d’invités d’honneurs tels que Volker Schlöndorff, Jean-Claude Carrière, ou encore Olivier Assayas qui venait présenter Carlos, ou encore Mathieu Amalric venu faire une conversation avec les frères Larrieu… Bien d’autres rencontres et manifestations ont fait de ce festival un lieu de transmission et de débats où les films passent les frontières sans craindre de rester bloquer en douanes. Cela fait maintenant plus de dix ans que le festival offre un nouveau regard sur le vieux continent, il ne reste plus qu’à lui espérer tout autant pour les décennies à venir.

Un documentaire métaphysique et transcendant (Les rêves dansants, sur les pas de Pina Bausch)

2010-10-13T22:06:00.001+02:00

Peu de temps avant sa mort, la chorégraphe Pina Bausch décide de reprendre sa pièce la plus connue, Konktakthof, sans sa troupe officielle mais avec des adolescents n’ayant jamais dansé. Anne Linsel et Rainer Hoffman, intrigués par le projet, suivent cette « star academy » pas comme les autres.

Ils offrent un documentaire hors du commun sur le monde de la danse et de l’adolescence. Des jeunes vont apprendre à danser mais aussi et surtout à découvrir leur corps. Car s’il y a bien une chose que met en avant ce film, c’est la découverte de soi par la danse. Si le cinéma ou la vidéo donnent une idée du corps, permettent de se rendre compte de sa représentation, la danse, quant à elle, en serait l’opposé par la construction de cette conscience dans la sensation. Les ados, au début mal à l’aise dans les mouvements, découvrent petit à petit toutes les particules qui font leur enveloppe. C’est avec la découverte de leur anatomie que la danse et la troupe vont prendre forme et devenir un personnage différent.

Les deux réalisateurs dans un soucis de réalisme s’effacent. La caméra semble cachée, elle ne gêne jamais les mouvements ou les émotions des adolescents. Par cette mise à distance du cinéma et de son dispositif, c’est tout l’attrait du film qui prend forme. On n’est plus dans une mise en perspective de la chorégraphie de Pina Bausch, mais dans la découverte d’artistes et de leur apprentissage. Il est hallucinant de voir dès les premières images l’aura de certains de ces jeunes danseurs. Les cinéastes captent la naissance de ce qui pourrait devenir de grand artiste, comme la jeune fille blonde timide qui finalement, par son incroyable présence physique, deviendra le rôle-titre de la pièce et du film.

Les Rêves dansants n’est pas seulement un documentaire sur la danse, c’est aussi une vision de la jeunesse allemande, de ses origines, ses sentiments et ses rêves. À travers des entretiens avec les adolescents, qui ponctuent leur apprentissage, les réalisateurs tentent d’en savoir plus sur eux et leurs motivations. À travers cette série de portraits, les jeunes peuvent s’exprimer, par la parole cette fois, sur tout et rien. Ces petites incursions permettent de comprendre que leur passé, leurs histoires les nourrissent pour exprimer au mieux les gestes de la chorégraphie. Ainsi, la perte d’un père se transforme en un mouvement du corps.

Le documentaire offre un véritable panel de visage et d’individus qui vont se confronter tout au long du film et finir par former une troupe à la fois filmique et scénique. Les derniers plans sur la scénographe Pina Bausch offrant des fleurs à ces nouveaux artistes clôture ce film dans un élan d’émotions. Dernières images avant la mort de ce génie de la danse qui donne son héritage à une jeunesse prometteuse.

Les Rêves dansants, sur les pas de Pina Bausch (sortie le 13 octobre 2010)

Un film de Anne Linsel et Rainer Hoffman

Instantané d’une époque (La Vie au ranch)

2010-10-12T19:54:00.001+02:00

Après avoir écumé de nombreux festivals, le premier long métrage de Sophie Letourneur qui fait déjà tant parlé de lui, arrive sur les écrans. La Vie au ranch raconte l’histoire d’un groupe de jeunes étudiantes et colocataires qui aiment faire la fête et profiter de leur indépendance. Irascibles, têtes à claques, amusantes, émouvantes, ces filles si proches de la réalité nous baladent d’émotions en émotions.

Pour son casting, Letourneur a choisi le groupe bien avant l’individu. Déjà amies dans la vie, les filles se livrent, à la fois proches les unes des autres et si éloignées de toute individualité.

Avec ses précédents courts-métrages, la jeune réalisatrice abordait la fin d’une époque de la vie et le commencement d’une autre. La Vie au ranch ne déroge pas à la règle. Il montre à travers ces visages la transition entre la « post-adolescence », la fin du monde rêveurs, et l’entrée dans l’âge l’adulte et sa prise de décision individuelle.

Le film de Sophie Letourneur est d’ailleurs dirigé comme un voyage initiatique. À l’instar des contes, ses personnages quittent le doux foyer « ranch » pour l’avenir. Après Paris, c’est à la campagne que les filles passent ensemble leurs vacances. Aux milieux clos et branchés de la Capitale succèdent les espaces ouverts et libres où il est possible de respirer sans prendre l’air. Mais c’est dans ces grands espaces que les disputes vont éclater, que les individualités vont se révéler, émerger, et ainsi prendre part à la vie réelle, loin de celle, fictive, créée par une communauté.

Et le film exploite joyeusement cette mise en scène. Tout d’abord caméra épaule, mobile et déstructurée, elle va, lors du voyage en campagne, se poser et plonger les personnages dans une intimité presque palpable. Le son est aussi la grande force du film. Travaillé, amplifié, rajouté, l’apport des sources sonores est multiple et peut parfois saturer l’écoute. Les filles, par leur flot constant de paroles qui se chevauchent, se croisent, étouffent la force du groupe dans une cacophonie constante. Letourneur met ici en image une parabole de discussion passionnelle, mais où finalement tout le monde parle et personne n’écoute. Il n’est plus question de communiquer mais d’exister par la parole, le son, faire sentir sa présence au monde ou au cinéma.

La forme du récit mélangé à celle de la mise en scène répond au propos sur le voyage initiatique de Sophie Letourneur. La Vie au ranch relève plus de la fable et du conte que du pamphlet sur une étude sociologique du groupe. La réalisatrice dresse le portrait de jeunes filles en quête de leur propre identité, à qui il manque peut-être un soulier de verre. Ce n’est plus le prince charmant qui délivrerait les jeunes demoiselles, mais l’espoir d’une prise de position individuelle.

Sophie Letourneur, avec sensibilité et grâce, tire les instantanés d’une jeunesse et capte des instants de vie comme de rares jeunes réalisateurs.

La Vie au Ranch (sortie le 13 octobre 2010)

Un film de Sophie Letourneur

Avec Sarah Jane Sauvegrain, Mahault Mollaret, Eulalie Juster…

Copiste ou essayiste (Petit tailleur)

2010-10-06T20:26:00.001+02:00

Pour sa seconde incursion dans le monde du court-métrage, Louis Garrel cherche à mettre en lumière les doutes et les différentes personnalités des comédiens. Le réalisateur s’interroge sur les émotions humaines, la tricherie et le mensonge, ou encore la schizophrénie. Mais ce n’est pas sans mal qu’il parvient à faire tenir son scénario alambiqué.

Albert (Arthur Igual) est un tailleur romantique qui passe son temps à courir pour ne pas être en retard au travail ou pour ne pas rater la pièce de théâtre dans laquelle joue Marie-Julie (magnifiquement interprétée par Léa Seydoux) et dont il est éperdument amoureux. S’ensuivent des conversations sur l’amour, les comédiens et la fuite.

Dans ce nouveau film Garrel traite des difficultés émotionnelles qui semblent aujourd’hui naître dans le cinéma français avec Christophe Honoré par exemple. Tout comme le réalisateur des Chansons d’amour, Garrel est proche de la nouvelle vague et utilise le ton de celle-ci pour parsemer son film de citations parfois illusoires.

Louis est bien « le fils de son père ». L’utilisation du noir et blanc, mais aussi des portraits découpés comme des peintures de Caravage ne sont pas sans rappeler les œuvres si puissantes de Philippe Garrel. On en vient même à se demander si le paternel ne passait pas de temps en temps sur le tournage afin de promulguer des conseils avisés à son fils. Il est toujours dur pour un « fils de » de se démarquer de l’influence d’un héritage stylistique. Et si cet emprunt au cinéma de son père peut se révéler comme un défaut, il faut cependant reconnaître que Louis Garrel possède de nombreux atouts et en particuliers dans la direction d’acteurs.

Petit Tailleur est un moyen-métrage à voir comme un possible héritage de la famille Garrel avec un petit plus du côté des comédiens.

Petit tailleur (sortie le 6 octobre 2010)

Réalisé par Louis Garrel

Avec Arthur Igual, Léa Seydoux, Grand Albert…

Le corps d’un père, l’âme d’un pays (Un homme qui crie)

2010-10-01T21:12:00.001+02:00

Un film simple marqué d’une émotion hors du commun. Lors de sa sélection au festival de Cannes Un homme qui crie du réalisateur Tchadien Mahamat Saleh Haroun faisait déjà parler de lui. Cela faisait plusieurs dizaines d’années qu’un film africain n’avait pas été admis dans le cercle très prisé de la Compétition Cannoise. De plus auréolé d’un Prix Spécial du Jury, le film n’a pas quitté le festival sans laisser son empreinte.

Adam ancien champion de natation est maître nageur dans un grand hôtel récemment acheté par un groupe chinois. Mais il est remplacé par son fils. Il se retrouve déclassé socialement et occupe la fonction de garde-barrière. En parallèle, une nouvelle guerre éclate dans le pays et l’armée a besoin d’argent et d’hommes. Pour se venger de son fils, Adam décide de le donner à l’armée, une coutume très répandue au Tchad lorsqu’un père ne peut payer l’effort de guerre.

Comme chez Ozu, avec son très beau Il était un père (1942), Haroun s’arrête sur les relations père/fils. La justesse de ton et d’image du cinéaste n’est d’ailleurs pas sans rappeler celle de son acolyte asiatique. Tout comme leur travail du hors champs ou encore les plans au ras du sol.

Sans Plagiat, Haroun crée, comme chez le cinéaste Japonais ou encore même chez l’Iranien Kiarostami, une bonne distance entre le récit et la mise en scène. Dans Un homme qui crie, il n’est pas question de marteler un dispositif émotionnel à coup de gros plans ou encore de changements de cadre. Il s’agit de donner une raison à un geste.

Dans une parenthèse théologique, Haroun s’intéresse ici à la faute et au pardon des pères. On en vient même à se demander si le film n’est pas non plus une prière au Père tout puissant quant aux innombrables enfants soldats qui enrichissent les milices tchadiennes.

Le cinéaste chercherait presque à expier les blessures de la guerre, voire à les purifier par l’importance de l’eau dans son film, que cela soit avec la piscine sur laquelle s’ouvre le film, ou encore le lac en fin de film. Cet élément tient une place non négligeable dans Un homme qui crie, toujours calme et paisible il apporte une sérénité aux personnages.

Loin du pathos, et grâce à la distance scénique Haroun se sort de tous les clichés attendus. Ses placements de caméra nous emmènent loin de toute quête de larme ou encore de la mythification d’un pays. Les rares gros plans expriment ou renforcent une idée. Lorsque la copine du fils enceinte chante pour lui et enregistre sur une K7 un message, on retrouve alors toute la force de ce réalisateur qui sait jouer avec les codes du cinéma afin de parvenir à une extrême douceur dans son propos et ses images.

Haroun signe une œuvre inoubliable. Et le génie de ce réalisateur est de savoir transmettre, à travers l’histoire d’un homme, toute l’âme d’un pays meurtri.

Un homme qui crie (sortie le 29 septembre 2010)

de Mahamat Saleh Haroun

avec Youssouf Djaoro, Diouc Koma

Bi-movie (Les amours imaginaires)

2010-09-28T20:30:00.016+02:00

Une œuvre magistrale digne des films de James Dean et d’Audrey Hepburn. Le deuxième film de Xavier Dolan (après J’ai tué ma mère en 2009) a encore une fois montré toute la force et l’énergie de ce jeune cinéaste en herbe. Les amours imaginaires narre l’histoire de deux amis Francis (Xavier Dolan) et Marie (Monia Chokri) qui tombent tous deux amoureux du même garçon, Nicolas (Niels Shneider). Se crée alors une sorte de dualité pour obtenir les faveurs du jeune garçon. Le réalisateur canadien suit le parcours de trois post-adolescent en quête d’une relation. Il cherche à comprendre la jeunesse d’aujourd’hui en créant une relation triangulaire à la Jules et Jim.

Clin d’œil ou réappropriation, Dolan voyage à travers tout un univers cinématographique et en parcourt l'histoire. Les effets de ralenti sur Marie marchant dans la rue et se finissant sur ses fesses, ponctués de Bang Bang de Dalida fait inexorablement penser aux films de Wong Kar Wai. Le jeune cinéaste rend aussi hommage à des icônes visuelles et musicales. Les deux protagonistes semblent tout droit sortis d’un film des années 50 avec leurs coupes de cheveux et leurs façons de s’habiller.

Si Dolan film à la manière de, il arrive à imprégner son film de sa propre personnalité. Les dialogues oscillent entre l’humour et l’émouvant. Mais, et là il faut souligner le coup de génie de ce réalisateur, il n’hésite pas à ponctuer ses scènes les plus dramatiques par des séquences documentaires dans lesquelles il interroge des gens sur leur relation, la sexualité, la rupture, dans une forme des plus amusantes et des plus crûe.

Les amours imaginaires transposent le fantasme vers sa destinée la plus pure : la sensation. Les images magnifiques de ce jeune réalisateur transcendent par leur poésie. Lors des scènes de sexe il insuffle une sensualité érotique. Les ralentis sur des parties de corps, la peau toujours filmée en gros plans, le tout mélangé à une musique douce et sensuelle provoque un renouveau de signification dans le vocabulaire cinématographique. Oui bien sûr, on sait que depuis Griffith, le gros plan sert à suggérer une émotion, à la faire transparaître. Mais Dolan va plus loin puisque les couleurs de l’image indiquent presque des rêveries nocturnes, érotiques, relayées par ses personnages. Nappée de bleu ou de vert, la séquence n’appartient plus réellement au film, mais elle devient une œuvre à part entière sur la sensualité du cinéma. Ici, il ne s’agit plus seulement de regarder, mais de ressentir par l’image et par le son la magnificence d’une caresse visuelle.

Dolan avec Les amours imaginaires dresse un portrait de la jeunesse à la recherche d’un temps perdu, d’une sensation perdue et il le fait avec un véritable brio.

Les amours imaginaires (sortie le 29 septembre 2010)

Réalisé par Xavier Dolan  

Avec Monia Chokri, Niels Schneider, Xavier Dolan

Judd Apatow / Comédie, mode d’emploi - entretien avec Emmanuel Burdeau

2010-09-23T10:30:00.001+02:00

Les éditions Capricci sortent un nouveau livre d’entretiens toujours aussi passionnants sur l’histoire du cinéma contemporain.

Dans la carrière de Judd Apatow, il ne manquait peut-être que ce livre pour parvenir à la reconnaissance de l’intelligentsia du cinéma. L’ancien rédacteur en chef des Cahiers du cinéma, Emmanuel Burdeau, revient dans ce long entretien sur la carrière de cet auteur incontournable de la comédie US. Ce livre est l’occasion de revenir sur l’œuvre de ce précurseur de l’humour et de comprendre un certain univers américain avec les séries comme la géniale Freaks and Geeks et la découverte des acteurs et de leur potentiel. Apatow revient également sur la construction d’un film comique et son évolution dans les méandres des studios hollywoodien.

L’entretien se ponctue sur la vie et les rencontres du jeune réalisateur, notamment avec Ben Stiller qui l’a initié à la télévision avec le Ben Stiller Show et surtout les atouts de tous les comédiens qu’a pu rencontrer ce producteur-réalisateur lors de ses films et de ses écritures. L’entretien s’attarde notamment sur les réalisations et les tics de langage que peut utiliser Apatow, mais aussi sur sa manière de travailler au sein d’une équipe et avec elle.

Celui par qui la comédie moderne ne peut exister méritait bien ce livre que l’on dévore avec enthousiasme.

Judd Apatow, Comédie, mode d’emploi entretien avec Emmanuel Burdeau

Éditions Capricci

ISBN 978-2-918040-13-2

13 euros

Clint Eastwood, une légende

2010-09-22T20:30:00.004+02:00

Patrick McGilligan surfe sur la tendance. Depuis les années 90 l’intérêt des écrivains et des journalistes pour Clint Eastwood n’a fait que s’accroître. Il suffit de tape le nom du cinéaste américain dans la rubrique livre de n’importe quel moteur de recherche pour s’apercevoir de la profusion d’œuvres (plus ou moins bonnes) sur son travail et sa vie.

Une expérience "people". Ici, l’auteur prend à contre-pied la biographie autorisée du cinéaste (Clint Eastwood de Richard Schickel). Il offre ainsi une antithèse de la légende forgée au long des années par les attachés de presse du cinéaste et parfois par lui-même lors de ses interviews. Loin du cinéma, McGilligan le dépeint en homme colérique, coureur de femmes, radin… Le livre analyse non pas l’œuvre de l’auteur-cinéaste, mais sa vie, sa personnalité.

McGilligan essaye de convaincre du mauvais fond du réalisateur et de l’idiocratie qu’il a mis en place avec sa société de production Malpaso. Le livre contient plus de données sur les activités immobilières du cinéaste que sur l’intérêt que celui-ci porte au cinéma.

Reste certains points forts dans ce livre. McGilligan par les relations de Eastwood avec les studios comme la Warner Bros. (au sein de laquelle sa société de production indépendante Malpaso est intégrée) souligne les liens entre les différentes souches d’un studio et la construction d’un film depuis sa genèse jusqu’à sa divulgation sur les écrans.

Si par moment cela enrichit l’œuvre, on regrette toutefois le manque d’intérêt porté au septième art et aux films d’Eastwood qui font de lui un artiste à part entière.

Clint Eastwood, une légende

Patrick McGilligan

Nouveau monde éditions

N° isbn : 978-2-84736-396-8

24 euros

Désopilante réunification (Cyrus)

2010-09-22T11:03:00.001+02:00

Les comédies américaines ont encore de beaux jours devant elles. Cyrus ne laisse personne indifférent. Marrant, touchant, intriguant voilà comment pourrait se définir le nouveau film des frères Duplass (Jay et Mark).

John (John C. Reilly) célibataire endurcit depuis son divorce, finit par rencontrer lors d’une fête Molly (Marisa Tomei) jeune femme dynamique et enthousiaste. Cependant celle-ci cache un secret, un fils de vingt ans, Cyrus (Jonah Hill), qui vit toujours avec elle. Les deux hommes vont alors être en perpétuelle confrontation pour l’amour, charnel ou maternel, de la jeune femme. Une vraie guerre va être déclarée.

Cyrus est un Tanguy à l’Américaine, les jeux de mots et les blagues cocasses en plus. Le film est l’histoire de ce jeune garçon qui ne parvient pas à sortir de l’adolescence et des jupons de sa mère, jusqu’à l’entrée d’un élément perturbateur (John) qui vient s’immiscer dans le cercle clos de la famille. Les frères Duplass, avec cette comédie, mènent l’étude d’un nouveau genre ethnique, la recomposition d’une famille et surtout l’acceptation d’un nouveau membre. Ils s’attardant sur la propension à quitter le nid pour voler de ses propres ailes. Cyrus n’y parvient pas, et sa routine est accablante du petit-déjeuner au dîner.

L’humour de ce film ne joue pas tant sur les frasques du post-adolescent en mal d’amour, mais sur cette rencontre de deux êtres que tout rassemble. John et Cyrus ont bien des points communs. Tous deux travaillent dans l’art, le premier est monteur alors que l’autre essaie de percer dans la musique. Ils ont tous les deux du mal à se séparer de la femme de leur passé, la mère pour le plus jeune, ou encore de l’ex-femme qui devient la meilleure amie pour John. Et c’est cette peur de voir plus loin qui rend ce film attachant.

Les Duplass se rapprochent de l’équipe Apatow. L’humour ne joue plus tellement sur la « potacherie », mais sur le pathétique. Il s’agit de rire d’une situation, non pas pour se moquer, mais au contraire parce que la situation présentée peut arriver à tous.

John veut partager des moments avec son nouveau fils et comprend que cela lui sera impossible, puisque ce dernier est comme un microbe qu’il faut éradiquer avant la gangrène. Jonah Hill, par son interprétation, porte son rôle de gamin-geek-perturbateur-de-couple au summum. Il impose, avec sa carrure et son visage enfantin, un air malsain digne des plus grands films d’horreurs.

Cyrus est plein d’enthousiasme et de promesses quant à l’avenir des comédies et de leur renouveau. Les Lewis et autres grands comiques peuvent voir la nouvelle génération héritière de leur comédie, digne de leur passation.

Cyrus (sortie le 15 septembre 2010)

Réalisé par Jay et Mark Duplass

Avec John C. Reilly, Jonah Hill, Marisa Tomei…

Produit de contrefaçon (Une Chinoise)

2010-09-08T14:05:00.001+02:00

Comme un film ethnographique, le nouveau film de Guo Xiaolu tente une immersion dans la jeunesse chinoise et son désœuvrement.

Mei (Huang Lu) est une jeune chinoise de la campagne qui passe son temps entre son travail au billard et les sorties avec les garçons dans la ville la plus proche. Elle décide de tout quitter pour tenter sa chance à la ville. Mais cette fuite ne se fera que de déception en disgrasse.

D’abord prostituée dans un salon de coiffure, elle noue une relation avec le caïd du quartier Spikey (Wei Yibo) qui se fait tuer. Avec son argent afin elle quitte le pays. Arrivée à Londres, elle enchaîne les petits boulots (mannequin pour cours d’anatomie, masseuse), et rencontre Monsieur Hunt (Geoffrey Hutchings) qu’elle épouse pour sa condition. Mais rien ne la comble et elle fini dans les bras du livreur Rachid (Chris Ryman) qui l'abandonne finalement pour retourner en Inde, son pays, alors que celle-ci est enceinte de lui.

Le scénario fortement centré sur le personnage de Mei tente de mettre en exergue la jeunesse des jeunes filles de la campagne chinoise. Celles-ci ne vivant que dans l’utopie d'un avenir meilleur par le départ vers une grande ville. Mei va même plus loin puisque qu’elle franchit les barrières de son propre pays pour vivre son rêve. Loin de la noirceur de son quotidien, elle espère des lendemains qui chantent et met tout en place pour arriver à ses fins.

Mais la seule chose qu’elle possède vraiment c'est son corps. Elle devient alors un produit « made in china » importé pour combler les fantasmes masculins. Son rêve d’évasion sera finalement un cauchemar.

Guo Xiaolu, plus connus pour ses documentaires comme Once Upon a Time Proletarian (2008) ou encore How is Your Fish Today ? (2006), garde pour cette fiction un style nerveux, caméra épaule et surtout utilise la lumière naturelle qui retransmet parfaitement les vicissitudes de la campagnes chinoises.

Il y a dans cette œuvre un regard neuf sur la jeunesse désœuvrée d’un pays. Comme pouvait le faire Jean Rouch à son époque avec Moi, un noir (d'ailleurs, le titre original She, a chinese est en référence directe à l’ethnographe). Comme le Français, Xiaolu pose un regard sur la société chinoise, mais aussi sur la mondialisation et le déclin d’une civilisation. Dans Une Chinoise, même le corps devient un produit comme les autres que l’on achète ou que l’on vend afin de survivre.

La seconde partie du film, en Angleterre repose sur ce principe d’échanges entre la protagoniste et un vieux Monsieur qui l’épouse afin de ne pas être seule. Elle devient une marchandise parmi tant d’autres. Utile à combler la solitude ou encore les fantasmes asiatiques du genre de l’Empire des sens pour le jeune Rachid.

Un petit bémol, cependant, dans la construction narrative du film. Écrivain de formation, Xiaolu a gardé des "tares" de sa première passion, les voyages incessants de son personnage sont ponctués d’intertitres. Ce dispositif, comme les chapitres d'un roman ou un journal intime, tend parfois à la sur explication de son histoire et perturbe l'auditoire.

Hormis cette petite transgression entre les deux arts, le film Une Chinoise reste un solide document sur la jeunesse chinoise et son empreinte qu'elle laisse dans le temps.

Une Chinoise (Sortie le 8 septembre 2010)

Un film de Guo Xiaolu

Avec Huang Lu, Wei Yibo, Geoffrey Hutchings, Chris Ryman,…

Une pure méditation cinéphilique (Des hommes et des dieux)

2010-09-07T20:30:00.003+02:00

On a souvent rapproché le cinéma et la foi. Tous les deux portent un seul et même principe, celui de « la croyance ». L’un veut faire croire le réel dans une histoire fictive et l’autre cherche à convaincre en un homme supérieur qui prédomine les événements. Le nouveau film de Xavier Beauvois joue de ses deux formes de foi et les transporte à leur paroxysme.

Dans un monastère de Tibhirine, des moines cisterciens vivent en parfaite harmonie avec la population locale. Mais la menace grandissante des groupes islamistes du Maghreb des années 1990 les oblige chacun à renouveler leur foi et se questionner jour après jour pour savoir s’ils doivent partir ou rester afin d’accomplir leur mission au sein de la vie locale. Basé sur une histoire vraie ce récit s’inspire librement de la vie de ces hommes d’église dans une période de trois ans allant de 1993 à 1996, c’est-à-dire jusqu’à leur enlèvement.

Des hommes et des dieux mérite son Grand Prix du Festival de Cannes 2010. Tant par sa mise en scène que par son brio narratif, Beauvois transpose la méditation ecclésiastique en méditation cinéphilique tout cela nappé dans une atmosphère monastique de bougie et de vitraux.

Le film nimbé d’un certain mysticisme semble se rapprocher du Ordet de Dreyer où chacun met sa foi à rude épreuve afin de comprendre les vicissitudes de la vie et des actions qui se déroulent autour. Comme le dit Frère Christian (Lambert Wilson), un monastère est un endroit de paix et de prière. Le film de Beauvois se trouve aussi être comme ce lieu, celui où la foi (aussi bien du cinéma que de la religion) semble à chaque instant remise en question. Les moines s’interrogent sur la place de Dieu dans notre société et se demandent s’ils doivent rester par amour de leur croyance et mourir pour elle. Et le réalisateur s’interroge sur la place du septième art et sur la docu-fiction, qui lui est si chère (il a largement excellé dans ce style avec Le Petit lieutenant).

Qui aurait pu croire qu’un film sur la vie monacale puisse défrayer la croisette au point de lui décerner une récompense. Personne. Mais tout le talent du réalisateur est de savoir allier plasticité et prière, mouvement et fixité, et de rentrer dans cette vie recluse avec un profond respect.

Toute la force du film réside d’ailleurs dans cet accomplissement de soi. Chacun des moines se raconte, s’explique sur sa foi. Ils deviennent, au fil des discussions et des remises en questions, des hommes à part entière emprunts d’une force émotionnelle encore rarement exploitée par le cinéma.

La quintessence de ce dispositif se retrouve d’ailleurs dans l’une des dernières séquences, que l’on pourrait appeler le dernier repas (métaphore de la Cène). D’habitude moment calme et bercé par la lecture des Saintes Evangiles par le Frère Luc (Michael Lonsdale), ce dernier va perturber cet instant saint en insérant une cassette du Lac des Cygnes dans un lecteur et en servant du vin à tous les convives. Contaminés par la tristesse de ce morceau classique, et surtout mis en image avec une subtilité ahurissante (l’évolution du cadre allant du gros plan au très gros plan sur les yeux des personnages qui crée une émotion très forte dans notre conscience), on pourrait se surprendre, tout comme les personnages, à embuer notre regard transporté par cette image d’hommes au service de leur foi.

Avec ce film, Xavier Beauvois signe encore une fois un chef d’œuvre du docu-fiction, maîtrisé de main de maître. Et il est enfin possible de dire que non le cinéma français n’est pas mort. Amen !

Des hommes et des dieux (sortie le 8 septembre 2010)

un film de Xavier Beauvois

avec Lambert Wilson, Michael Lonsdale

Bête et méchant ! (Be Bad)

2010-09-05T22:21:00.003+02:00

Sois méchant, mais tais toi ! Cette phrase pourrait être la punch line du film tellement celui ci est décevant.

On attendait beaucoup de ce nouveau film avec Michael Cera, formidable acteur découvert dans Supergrave, et qui a l’époque faisait mourir de rire par son physique et surtout par son côté décalé, hors norme, face à la jeunesse américaine contemporaine. Même si rien ne peut-être reprocher à l’acteur, on regrette le manque d’imagination du réalisateur Miguel Arteta, plus connu dans le monde des séries (il a notamment réalisé des épisodes de Ugly Betty ou encore de la tordante et trop courte série Freaks and Geeks).

Pour son entrée dans le septième art, Arteta choisi d’adapter au cinéma le roman Youth in revolt : The journals of Nick Twisp de C.D. Payne. L’histoire d’un adolescent à part, Nick (Michael Cera), qui regarde des films de Fellini, écoute du Franck Sinatra… Bref un ado hors de son époque, avec peu d’amis (si ce n’est un mec suicidaire). Pendant les vacances, il s’éprend d’une jeune femme Sheeni Saunders (Portia Doubleday). Pour ne pas être séparés par la rentrée scolaire, les deux tourtereaux imaginent un plan diabolique : Nick doit se débrouiller pour que sa mère l’envoie vivre chez son père, près de sa dulcinée. Pour arriver à ses fins, le jeune homme devient méchant et se crée un double, Henry Dillinger (en référence à au célèbre gangster américain John Dillinger). Celui-ci lui permet d’accomplir les actes les plus odieux.

Sans innovation, Arteta reprend l’un des thèmes les plus exploité par le cinéma : la dualité.

Le cas Jekill a toujours collaboré à la naissance des scénarios les plus farfelus, Fight Club (David Fincher, 1999) par exemple joue sur ce principe avec brio. Dans Be Bad, cette métamorphose n’est ni plus ni moins que la projection du fantasme de Nick. Henry, petit pantalon blanc, arbore une moustache parfaitement dessinée, la coiffure impeccable et la cigarette au bec (bref, la caricature d’un français).

Totalement improbables, les moments où lui et son double se retrouvent dans le même plan sont pour le moins indigestes. L’éventualité d’un double assis à côté du protagoniste ne rend en rien le film comique, mais au contraire risible, voire abscons. En effet, montrer Henry, en présence de Nick crée le trouble. Non seulement la plupart des scènes tombent alors à l’eau, mais il est bien souvent difficile de comprendre l’apport de ce personnage dans la trame narrative.

Hormis ce défaut, il faut reconnaître tout de même à Arteta la qualité de direction d’acteurs. Mis à part Michael Cera, Steve Belusci est hilarant en père chômeur et désabusé. Mais finalement tous les acteurs ne feront du film qu’une bonne petite comédie un peu loufoque que l’on oublie vite après la séance.

Ne reste plus qu’à espérer pour Michael Cera un bien meilleur prestige avec le très attendu Scott Pilgrim contre le reste du monde normalement sur les écrans en décembre 2010.

Be Bad (sortie le 1^er septembre 2010)

un film de Miguel Arteta  

avec Michael Cera, Portia Doubleday, Jean Smart…

Leçons de cinéma (l’intégrale)

2010-09-05T22:21:00.000+02:00

Une nouvelle édition des Leçons de cinéma Laurent Tirard est disponible à la vente. Celle-ci comprend les deux volumes qui existaient au préalable. L’auteur, ancien journaliste de Studio magazine, regroupe ici la chronique mensuelle qu’il menait à l’époque et qui consistait à poser une série de questions à ses cinéastes de prédilections. Cette nouvelle édition donne la possibilité de relire toutes les interviews dans l’ordre que l’on veut et non plus de suivre celui établit par l’éditeur.

Ce livre est fait pour tous les passionnés de cinéma, qu’ils désirent faire de la réalisation ou encore apprendre plus de choses sur la manière de concevoir un film par le choix d’une optique, le placement de la caméra par rapport à l’émotion de la scène. Le lecteur peut ainsi comprendre en quoi chaque cinéaste, de Scorsese en passant par Lynch jusqu’à Patrice Leconte, est différent dans sa manière d’appréhender et réaliser un film, tout comme leur idée du septième art.

Bien que le livre ne soit pas très poussé en terme d’explications ou d’analyses, il offre une sorte de préambule à de futurs réalisateurs qui désireraient s’inspirer de leur(s) maître(s) avant de trouver leur style.

Leçons de Cinéma (Nouvelle édition)

Laurent Tirard

Nouveau Monde édition

ISSN 978-2-84736-464-4

Année de publication septembre 2009

Prix recommandé 25,00 €

Un film percutant pour un plaisir coupable (Expendables, unité spéciale)

2010-08-18T12:13:00.004+02:00

Attendu comme le loup blanc. Le dernier film de Sylvester Stallone, avec son casting mémorable, reste dans la lignée de ses dernières réalisations : géniales. Sly met fin une nouvelle fois à une légende, celui des héros des années 80 et 90 bodybuildés et capables des plus extraordinaires prouesses.

The Expendables est le nom d’un groupe de mercenaires, envoyé sur des missions difficiles lorsque d’autres organismes ont les mains liées. Ils sont contactés par Monsieur Church (Bruce Willis) pour tuer le dictateur d’une île d’Amérique du Sud.

Evidemment, résumé comme cela le film paraît très simple, et il ne faut pas se faire d’illusion, il l'est. L’intrigue va d’un point A à un point B sans sortir de son chemin. Ce scénario lambda est dirigé par un génie qui enterre ici ses propres mythes et ses thèmes de prédilections. Stallone semble tirer une sorte de conclusion sur sa carrière (comme avant lui Clint Eastwood avec Gran Torino, 2008) et faire un clin d’œil à tous ses films, des premiers Rambo en passant par d’autres plus obscurs comme Cobra (George Pan Cosmatos, 1986) dont il était lui-même le scénariste.

Pour beaucoup, Expendables, Unité spéciale pourrait ressembler à un "nanard". Bien entendu Il n’est pas le film intellectuel du siècle, il n’y a pas d’arrière-fond politique ni sociologique. Il faut le prendre tel qu’il est, c’est-à-dire bonne série B qui permet de passer du bon temps et de se faire plaisir.

La grande force du film, et du réalisateur, est de toujours réagir en deux temps : une scène d’action est systématiquement suivie d’un bon mot ou d’une blague. Schéma très hollywoodien, fortement mis en images par les Buddy movie et surtout la célèbre série des Armes fatales. Mais Stallone n’en reste pas là et intègre à travers l’action des moments plus empreints d'émotion, laissant ainsi la part belle aux jeux d’acteurs. Chaque personnage s’épanouie lors de SA scène. Jet Li plutôt en retrait se voit offrir son "quart d’heure de gloire" avec deux combats contre Dolph Lundgren et Gary Daniels ou encore Mickey Rourke lors de son émouvante tirade sur la condition du mercenaire.

Le plaisir du film, comme celui de Stallone, est de ressusciter ces anciennes gloires des années 80 pour leur offrir un (peut-être) chant du cygne et de se réjouir de tourner des scènes hors combat et au-delà de toute vraisemblance, pour le seul plaisir des yeux.

Car finalement voilà bien ce qu’est Expendables, Unité spéciale, un plaisir coupable ! Il ne joue que sur la solitude et l’imaginaire enfantins de toute une génération. Tous ceux qui se sont rêvés un jour John Rambo zigoulliant à tout va vont retrouver le plaisir des films des années 80. Que cela soit dans l’apothéose du film avec l’attaque du manoir du dictateur et son surjeu d’action : le palais est littéralement atomisé par la surcharge d’explosifs installée par les mercenaires. Ou encore Stallone, le pistolet au poing tirant sans cesse et rechargeant à une vitesse folle, ou bien lançant une roquette à la main et de tirer dessus afin de détruire un hélico. Séquences fantasques par leur grandiloquence mais qui collent parfaitement.

Si le film représente la fin d’un mythe : l’homme d’action sans pouvoir, il est aussi la transition d’une époque à une autre. Et le grand représentant des années 2000 est ici incarné par Jason Statham. On se plait à le voir partager l’affiche (et plus de la moitié du film) au côté de Stallone comme un petit jeune qui entrerait dans un cercle très fermé et qu’il faudrait initier à toutes les règles, un vent de jeunesse créant un décalage. Les joutes verbales entre les deux personnages préconisent d’ailleursce passage entre deux âges. Que cela soit sous la forme de l’humour à propos de la différence d’âge : « Tu n’es plus aussi rapide qu’avant laisse-moi faire ». Ou à propos d’une relation : « je ne savais pas que notre relation avait évolué à ce stade ». Stallone indique ainsi la voie à son nouveau protégé. Il ne reste plus qu’à espérer que Statham réalisera des films aussi percutants que son aîné.

Expendables, unité spéciale (sortie le 18 août 2010)
un film de Sylvester Stallone
avec Sylvester Stallone, Jason Statham

Une vision sans concessions (Les Arrivants)

2010-04-08T20:23:00.002+02:00

Après les débats sur l’identité nationale, là où chaque homme politique s’est cassé une dent, il était temps qu’un documentaire donne un aperçu de l’accueil des migrants dans un pays qui ne les accepte plus. Le nouveau film de Claudine Bories et de Patrice Chagnard nous fait voir l’envers du décor.

Loin des discours aseptisés, bienvenue à la CAFDA (Coordination de l’accueil des familles demandeuses d’asile). Sans parti-pris, ni manichéisme, le duo Bories-Chagnard dessine, à l’aide de séquences comme des pièces de puzzle, le schéma de l’accueil des migrants chez nous. Ils suivent au jour le jour ces familles aux prises avec la bureaucratie kafkaïenne pour leur demande d’asile. Face à des assistantes sociales nerveuses, dépourvues de moyens, ces nouveaux arrivants, perdus, anxieux, à peine débarqués d’un camion de passeurs, venus de Mongolie, du Sri Lanka ou d’ailleurs, doivent enfin se poser, arrêter de bouger, pour raconter leurs histoires et obtenir des droits. Restant au plus proche de leur sujet, les réalisateurs n’interviennent jamais dans les récits de chacun et laissent se dérouler les entretiens sans fausse mise-en-scène.

Du vrai cinéma. Claudine Bories et Patrice Chagnard sont toujours à l’extrême de la perfection dans leurs propositions. Le montage et les plans, qui semblent toujours à la limite d’échapper à tout contrôle, sont en réalité parfaitement maitrisés et offrent ce coté sanguin au film. Une fin de plan ou un raccord n’est jamais la fin d’une histoire. Pleine de rebondissements, de nouveaux éléments sont encore dévoilés au fil du temps.

Sans sentimentalisme, ni intransigeance, les différentes histoires qui nous sont contées sont traitées avec la même envie de raconter. On est touché de voir qu’elles donnent enfin un visage à ces nouveaux arrivants qui font si peur. Le film ne souffle pas une prise de conscience au public, il rend simplement compte de l’existence de ces demandeurs d’asile, de ces nouveaux arrivants, en proie à cette utopie qu’est la France.

Les Arrivants

un film de Claudine Bories et Patrice Chagnard, sortie le 7 avril 2010

Les Murmures du vent

2010-04-01T10:51:00.002+02:00

Une contemplation de la nature Kurde qui se regarde aussi avec les oreilles. Shaharam Alidi réalisateur Kurde-Iranien raconte l’histoire de son pays avec une délicatesse à laquelle on ne s’attend pas. Alidi raconte l’histoire de Mam Baldar, messager qui enregistre les paroles des uns des autres comme certains envoient des lettres. Son métier l’oblige à parcourir le pays. À travers son pare-brise il le voit évoluer et se faire martyriser par l’armée irakienne. Le réalisateur ne tient pas seulement une chronique sur les persécutions du peuple kurde, il a l’art et la manière de rendre compte d’un pays, à l'instar d'Abbas Kiarostami, son collègue de l’école de Téhéran.

Shaharam Alidi prend le temps de filmer les montagnes, le désert et de poser un regard sur cette nature. Il comprend l’âme humaine à travers ce voyage et son guide. Le messager est le propre spectateur des changements du Kurdistan et de l'incompréhension de la guerre. Celle-ci se livre à la fois armée ou avec des ondes, du son. Balbar est un résistant, il gagne sa guerre en confiant les messages au vent pour qu’il les porte par delà les frontières.

Les Murmures du vent racontent l’histoire d’un pays dans une époque trouble, sans complaisance. Il n’est pas question de refaire l’histoire mais de laisser une trace. Comme l’image de ce nain laissant un message audio à Balbar et l’écrivant sur la crasse de sa voiture. Un message effacé dès les premières pluies.

De ce film, on retiendra surtout la magnifique utilisation du son. Non plus en tant que symbolisation de l’image, mais comme fil conducteur de la narration. Le vent emporte le récit comme il fait voltiger une feuille d’un lieu à un autre. C’est cet élément qui emporte les prières des âmes damnées vers Dieu comme dans cette magnifique scène où Balbar accroche son poste à un arbre sur une colline laissant le vent conduire les messages à leurs destinataires. Alors que chez Kiarostami et son poème visuel, le vent emporte les hommes, dans Les Murmures du vent, le réalisateur les déporte vers une autre destinée, celle d’un pays meurtri dans trop d’années de guerre.

C’est avec considération et respect que Shahram Alidi filme ses personnages sans larmes, ni fracas. Sa vision de la guerre comme de la résistance auditive exprime la seule liberté encore possible de nos jours, celle de la parole à condition qu’elle ne soit surtout pas prononcée trop fort.

Avec une esthétique hors du commun Les Murmures du vent est un véritable poème auditif et visuel. Shahram Alidi réussit à faire de son œuvre une force contre la nature humaine et redonne un espoir dans les éléments qui entourent chaque pays. Il murmure sa douce mélancolie avec enchantement.

Les Murmures du vent

un film de Shahram Alidi, sortie le 31 mars 2010

La métamorphose de la Gibson (Henry)

2010-04-01T10:45:00.004+02:00

Après Rock Academy avec l'exubérant Jack Black ou encore Spinal Tap, Kafka (alias Francis Kuntz, le célèbre journaliste tête à claques de Groland) rejoue ici la formation d'un groupe musical, conservant la lignée de son personnage du petit écran. Henry, guitariste minable de bals populaires, est une vrai ordure. Prêt à tous les coups pour obtenir ce qu'il veut, il n'hésitera pas à faire interner sa sœur ou à escroquer la mère de son pote fraichement décédé. En bref ce vendeur d'instruments est un véritable connard, mais du genre de ceux à qui l'on s'attache et que l'on aime détester. Kafka fait de son personnage et de son film un ovni dans le panel des sorties hebdomadaires. Réalisé entre potes en conservant l'humour Groland, Kafka s'entoure d'acteurs sur sa même longueur d'onde. On notera la remarquable interprétation d'Élise Larnicol (ex Robins des bois) dans le rôle de la sœur de Henry, dépressive et toujours à côté de la plaque. Leurs allocutions verbales, entre violence et passivité, sont un plaisir. Depuis bien longtemps Larnicol n'avait pas été vue sur le devant de la scène, et ici c'est une belle leçon d'actrice qu'elle nous donne. Une œuvre qui vaut le détour rien que pour sa présence à l'écran.

On regrette que Kafka ne parvienne cependant pas à sortir son film des méandres de ce qu'il faisait déjà pour Groland. Les sketchs se suivent et finissent par se ressembler et sans pour autant amener de l'eau au moulin. Dès le début, on le comprend, Henry est un naze sans sentiments pour personne à part pour lui-même, un brin raciste et requin sans scrupules. On sent que Kafka cherche à en faire un être à part, tout comme il cherche à ne pas faire ce qui se fait déjà dans le cinéma français. Mais sur une heure trente, les blagues ne font finalement plus rire, restant de pâles copies des fameuses vidéos du journaliste tapageur, l'inventivité en moins, la longueur en plus.

Finalement, même si le film Henry sort du lot il ne marquera pas par ces intentions mal menées, mais uniquement par sa brochette d'acteurs et de gueules atypiques. Ce n'est déjà pas si mal.

Henry

un film de Pascal Remy et Kafka, sortie le 31 mars 2010

avec Elise Larnicol; Kafka (alias Francis Kuntz), Bruno Lochet, Jean-François Derec, Lucien Jean-Baptiste, Gustave Kervern

White Material

2010-03-24T03:00:00.004+01:00

Deux grands films à la suite, rare ! Avec White material, Claire Denis arrive presque à surpasser son chef-d’œuvre de l’année passée 35 Rhums.

Dans un pays africain, dont le nom n’est jamais donné, Maria (Isabelle Huppert) tient une plantation de café et refuse de l’abandonner alors qu’une guerre civile est prête à éclater. La réalisatrice montre l’état d’un continent au bord de l’explosion et en attente de sa revanche sur le matériel blanc. White material implante l’idée de post-colonisation. Alors que tous les Africains veulent fuir loin des rebelles, les blancs, au contraire, restent dans leurs plantations, non pas pour défendre leurs biens, mais parce qu’ils ne croient pas en l’insurrection des rebelles.

Claire Denis donne à son film une atmosphère inquiétante et dure à supporter. On sent que ça va « pêter », que l’horreur va arriver, mais on ne sait pas quand ni comment. Ce qui importe alors c’est le temps qui reste et comment le combler. D’ailleurs il n’est question que de temporalité, ici. Maria veut finir la cueillette des grains de café avant que la saison ne soit finie, elle refuse de quitter sa maison pour ne pas perdre un seul instant. Quant à son fils (Nicolas Duvauchelle), amorphe, il passe ses journées dans son lit à attendre que cela passe. Claire Denis exprime, ici, le fameux dicton qui dit que l’Europe possède les montres alors que l’Afrique a le temps.

On le sait, depuis le cinéma d’avant garde et surtout depuis Epstein, le cinéma est un art du temps. Il est capable de le dilater, de l’étirer, le renverser, etc. Mais Claire Denis ne se sert que d’un seul artifice pour compromettre la narration : le montage. Les séquences déconstruisent le film, c’est un puzzle que l’on doit mentalement faire pour tout remettre en place et ainsi obtenir une continuité dans la narration et l’intrigue. C’est lors de chaque raccord, dans cet interstice de jointures, que le doute est posé. Ainsi des rebelles marchant dans la jungle peuvent être poursuivis par l’armée régulière dans la vision du spectateur, mais pas dans le montage de la réalisatrice. C’est grâce ou à cause de ce montage et de ces effets de temporalité que White material est parfaitement insoutenable, il n’offre aucun repis. Claire Denis joue avec nos nerfs comme l’armée joue avec la vie du fils de Maria, en le regardant dans la maison en feu. Sa mise en scène et les moments de haute tension ne permettent pas de décrocher le regard de l’écran et de ce qui va suivre.

Alors qu’il aurait tout pour faire peur, Claire Denis, par une main experte, mène son film tambour battant, magiquement interprété par des acteurs de talent. Christophe Lambert entre autres signe un rôle magistral de père et d’homme en fuite. Et si l’abandon de la Françafrique fait la Une de tous les journaux, ce film permet de reparler d’un continent en détresse.

White Material
un film de Claire Denis, sortie le 24 mars 2010
écrit avec Marie N’Diaye
avec Isabelle Huppert, Isaach de Bankolé, Christophe Lambert

Loin de l'oubli (L'Absence)

2010-03-10T03:02:00.005+01:00

Premier long-métrage bouleversant de réalisme. Félicia (Cécile Coustillac) est auxiliaire de vie auprès d’Anna (Liliane Rovère), atteinte de la maladie d’Alzheimer. Christian, le mari d’Anna n’arrive plus à supporter les difficultés de sa femme, son agressivité, ses oublis. Il abandonne la maison familiale. L’Absence est le premier film à traiter frontalement cette maladie terrible qui touche bon nombre de personnes. Cyril de Gasperis parvient à ne pas tomber dans le mélo et offre ainsi une fiction marquante, toujours proche de la réalité. Confinée dans des espaces restreints, la caméra entraîne Félicia dans le tourbillon de la démence, mettant à l’épreuve sa foi dans son métier. Dans chaque pièce de la maison mansardée, construite comme un labyrinthe, se perd l’hypothétique présence d’un mari absent et d’une malade hors champs. Là où l’on contemple une pièce vide, c’est toute une présence que l’on retrouve. La présence du souvenir, de quelqu’un ayant arpenté cette pièce. Mais surtout la présence de la voix qui habite et remplit à chaque fois le vide. Celle d’une insulte, d’un mot doux ou tout simplement parfois d’une discussion.

Il aurait été facile de tomber dans les clichés. Cyril de Gasperis sortant des banalités sur la maladie d’Alzheimer, échappe ainsi à la réalisation d’un remake français du Memento de Christopher Nolan. Ce n’est pas tant la maladie que contemple la caméra, mais les corps contaminés par celle-ci. Des corps vidés de leur substance vitale, de leur personnalité absente. Dans une pensée cartésienne, on aurait appelé ça l’âme, ce qui rend le corps humain vivant. Dans ce film les personnages sont dans le néant de cette âme, ils ne sont que des corps sans émotions, et parfois sans vie. L’architecture du décor, accumulation de pièces vides répond à ce que sont les protagonistes, cellules sans souches qui ne vivent que par et pour la routine. Les nombreux plans sur la préparation des repas et l’emplacement exacts de chaque couvert le prouvent. Aucun des personnages ne se sent vivre en dehors d’un quotidien macabre que l’on sait oublié demain. Mais on se surprend à rire des facéties d’Anna, lorsqu’elle donne une claque à son maître nageur sans aucune raison. La sortie du quotidien et du champ de la maison entraîne les deux personnages vers une forme d’espoir, de rédemption et de renaissance. Pour son premier film, de Gasperis ouvre une nouvelle voie à cette maladie jamais autant filmée par le cinéma avec une minutie proche de la perfection.

L'Absence

un film de Cyril de Gasperis, sortie le 10 mars 2010

avec Liliane Rovère, Cécile Coustillac, Jocelyne Desverchère

Fou mais pas con (Valvert)

2010-03-10T03:01:00.005+01:00

Un documentaire qui laisse sans voix. Le nouveau film de Valérie Mréjen (surtout connue pour ses œuvres plastiques) raconte l’univers d’un hôpital psychiatrique hors du commun. Sa particularité est d’être ouvert. Les patients peuvent se déplacer librement à l’intérieur de l’enceinte, ils ne sont pas, comme dans d’autres établissements, sous une surveillance quasi-pénitentiaire. La réalisatrice interroge sur cette institution et ses problèmes (manque de moyen,de personnel). Dans un champ toujours ouvert, les malades se promènent tranquillement dans le cadre, le traverse sans jamais faire attention au dispositif mis en place, comme si ce n’était qu’une sorte de nouvelle lubie de leur cerveau. Valérie Mréjen parvient donc à obtenir des séquences d’anthologie et pose un nouveau regard sur le milieu asilaire. Les interviews toujours perturbées par l’apparition d’un patient montrent parfaitement ce qu’est la liberté selon Valvert. On est loin des propos aseptisés. Schizophrènes, paranoïaques, ou encore souffrant de troubles de la parole, il y a chez tous les patients quelque chose de l’ordre de la non communication. Ils sont comme des corps vides, sans esprit, chez qui la pensée vient à disparaître. Et tout comme chez les zombis des premiers Romero, l’échange devient impossible.

Ici, charabia, morceaux de phrases, mots manger, tout se superpose. Les patients tentent d’exister dans une forme de parole ou par la présence. Une séquence reste marquante. Un malade s’avance vers la caméra et dit « je suis là » une fois sorti du cadre, ne laissant apparaître que son épaule. Dans une société qui a tendance à cacher tout ce qui fait désordre, il y a, ici, une conviction de montrer que toutes ces personnes existent et que ce n’est pas en les cachant de la vision des biens pensant que l’on peut les faire disparaître. Au contraire La réalisatrice cherche cette intrusion, elle sait qu’en filmant dans cet établissement, il y aura forcément des dérapages et qu’elle ne pourra pas faire un film « clean », sans malades. Avec de la réserve et du respect, elle arrive à donner beaucoup sur les pensionnaires et sur les employés. Dans les gènes face à certaines conversations, elle ne coupe rien et au contraire laisse divaguer sa caméra montrant ainsi le quotidien de ces personnes.

Valérie Mréjen fait de Valvert un documentaire rare en tout point de vue. Elle a la compréhension des propos et filme avec une profonde empathie. Une œuvre forte tant sur le plan intellectuel que mental.

Valvert

un film de Valérie Mréjen, sortie le 10 mars 2010

Le désert excisé (Fleur du désert)

2010-03-10T03:00:00.002+01:00

Une biographie bien aride. Waris, jeune fille nomade connaît une vie difficile, elle décide de quitter ses parents pour éviter un mariage forcé. Elle rejoint alors sa grand-mère à Mogadiscio qui décide de lui faire quitter la Somalie pour Londres. Arrivée dans ce nouveau pays, elle vit de petits boulots et se fait remarquer dans un fast food pour sa beauté. Elle est tout de suite embauchée pour un shooting et devient bientôt l’un des top-modèles les plus connues. Mais elle cache un lourd secret. Résumé comme cela, le film ressemble plus à un conte qu’à un véritable drame. Mais c’est sans compter sur le sujet sous-jacent : l’excision.

Bien entendu, le film n’est pas mauvais parce qu’il traite de ce problème. Au contraire, c’est tout en son honneur d’avoir enfin voulu soulever un sujet sensible et de le mettre en image. Sherry Hormann, la réalisatrice de Fleur du désert semble toutefois oublier que même si on a le fond, il ne faut pas négliger la forme. Son film, de conception classique, tourne tout au long de la première partie autour de l’arrivée dans un nouveau pays, du manque d’intégration et de la difficulté d’être étranger. Le souci est de ne pas savoir canaliser sa force sur un seul problème, le plus important par exemple, l’excision. Elle se perd donc dans les méandres d’un pseudo biographie qui ennuie.

Même la mise en scène manque de rythme. Fleur du désert devient un « énième » film réalisé comme tous les autres. Hormann ne prend aucun risque, ce qui est bien dommage. La texture lisse et plate est loin de convenir à ce sujet si particulier et fort. On finit par croire à une belle histoire tant les images nous y poussent. Tout, même le montage et l’utilisation de la musique fait penser à un remake de Coup de foudre à Notting Hill plus qu’à un pamphlet contre l’un des nombreux fléaux fanatiques.

Il est dommage que Sherry Hormann délaisse autant la première arme du cinéma qui est de raconter des histoires par les images plus que par la parole. C’est très souvent le travail technique qui en plus de la narration fait la qualité et la survie d’un film dans l’esprit du spectateur. La disparition de l’esthétique au profit d’un propos plus important et engagé aurait fait de Fleur du désert un film marquant. Dommage.

Fleur du désert

un film de Sherry Hormann, inspiré de la biographie de Waris Dirie, sortie le 10 mars 2010

avec Liya Kebede, Sally Hawkins, Timothee Spall

(The Brakhage lectures)

2010-03-05T09:00:00.003+01:00

Enfin un nouveau livre de Stan Brakhage ! De cet auteur américain hors du commun, la France ne connaissait qu’un seul ouvrage, le célèbre Métaphore et vision aux éditions Centre Georges Pompidou. Ce dernier offre déjà une très grande analyse de l’œuvre de ce cinéaste et de ses expérimentations, Brakhage y exprime sa définition et sa pensée sur la lumière, si importante dans ses films comme dans le cinéma en général.

Pour ce nouvel ouvrage, les éditions Capricci ont fait traduire le livre de Brakhage écrit à l’occasion d’un séminaire donné à l’école de l’Art Institute of Chicago entre 1970 et 1971.

Lors de ses conférences, Brakhage donne sa vision du cinéma : « Laissez-moi vous dire, le plus simplement qu’il m’est possible : la quête d’un art… qu’il s’agisse de création ou d’appréciation… est la plus terrifiante aventure qu’on puisse imaginer. Elle mène toujours vers des régions inexplorées ; l’âme est menacée de mort à tous les tournants ; l’esprit s’éreinte complètement ; et le corps va et vient, sans fin, en parcourant une terre de moins en moins familière. Il n’y a AUCUN espoir de revenir du territoire découvert au bout de cette aventure ; et il n’y a AUCUN espoir d’être délivré de l’impasse dans laquelle une telle quête peut mener. » Cette introduction au livre prouve bien l’idée que l’auteur se fait du cinéma et de l’art. Dans ses « lectures », le cinéaste prend quatre réalisateurs qui ont eux aussi, à leur manière, marqué l’histoire : Méliès, Griffith, Dreyer, Eisenstein.

Avec toute la poésie qui imprègne ses films, Stan Brakhage raconte les vies de ces personnages et leurs contributions au cinéma. Il va cependant y apporter sa touche personnelle en inventant leurs biographies et en les rapprochant des écrits de Freud ou de Mélanie Klein sur le moi et les résurgences de l’enfance dans le monde adulte.

A partir de ces données, et de son analyse, il va confronter l’œuvre de chacun des réalisateurs face à ce qui aurait pu construire sa carrière. Comme la femme-ventre chez Méliès symbole féminin de projection du cinéma au stade embryonnaire, la sauvagerie chez Griffith, puisant dans sa sauvagerie pour obtenir des batailles et une grammaire du cinéma. Ou encore l’existence face à la trame des contes de fées chez Dreyer pour lutter contre la raideur de sa culture et instituer un nouveau classicisme. Pour Eisenstein, il apprivoise l’horreur dont il fut saisi à la naissance pour déployer une esthétique du montage et un totémisme fabuleux.

La genèse de ce livre tient à comprendre le destin de ces réalisateurs et de leurs films, mais aussi ce qu’ils ont créés pour le cinéma. Les traits professionnels sont brillamment auscultés et analysés en fonction de la particularité de chacun, que ce soit le merveilleux et la magie chez Méliès, la grammaire chez Griffith, la lumière chez Dreyer, ou encore le montage chez Eisenstein. Pour chaque spécialité Brakhage puise dans la psychanalyse et dans son talent de conteur pour nous transporter dans les prémices de ce qui fera le cinéma.

L’auteur ne fait pas seulement un conte psychanalytique de ce qu’ont été leurs vies. Il donne avant tout sa propre conception du cinéma. Comme dans Métaphore et vision, ce qui marque les écrits de Brakhage, ce sont ses questions sur la lumière et sur son réfléchissement sur la matière humaine, sur l’incarnation. En prenant en exemple d’autres réalisateurs, il confronte son point de vue face à l’histoire d’un art.

Stan Brakhage nous conduit par la poésie dans les histoires du cinéma et c’est avec un réel plaisir que l’on se prend à lire ce conteur de talent. Il est d’ailleurs bien dommage que beaucoup de ses écrits ne soient pas encore traduits. Amis éditeurs…

The Brakhage lectures

Meliès, Griffith, Dreyer, Eisenstein

de Stan Brakhage

Editions Capricci (en librairie, 13€)

Obèse mais pas trop (Precious)

2010-03-04T21:00:00.001+01:00

Ou comment Sundance s’enlise. Présenté au dernier festival de Cannes dans la section Un Certain Regard, le film de Lee Daniels s’embourbe dans les clichés du film d’auteur américain. Precious, une adolescente noire américaine n’a rien pour elle, analphabète, obèse, violée par son père, mère d’un jeune enfant trisomique et enceinte d’un deuxième. Virée de son lycée, elle commence une école adaptée où une gentille professeur (Paula Patton) va prendre soin d’elle et l’aider à endurer les épreuves de la vie (et il y en a une bonne liste qui l’attend encore !).

Sur le papier cela peut ressembler à un conte moderne, mais en réalité ce n’est qu’un cauchemar. Même Dante dans sa Divine comédie n’aurait pu imaginer pire supplice que ce que Precious endure. Le film n’est qu’une succession de malheurs plus gros les uns que les autres. On en vient même à penser que cela ne finira jamais, et on a raison.

Mais ce qui agace par-dessus tout dans la trame c’est surtout le tire-larme que tente de mettre en place Daniels. Chaque séquence est calculée pour créer un rythme émotionnel sur le spectateur, alternant comédie et drame pour donner un côté humain aux personnages, mais qui finit par énerver. En outre le film s’enorgueillit de caméo comme on ne les a, soi-disant, jamais vus : Mariah Carey sans maquillage et Lenny Kravitz acteur. Film « freaks » alors, puisque le sujet n’est plus les malheurs de Precious, mais les différents corps qui se superposent sur la pellicule et interagissent. On n’est plus seulement là pour voir une histoire, mais pour voir des gens comme on ne les a jamais vus et oui comme dans les foires aux monstres au début du 19eme siècle.

On retrouve même dans le film le terrain boueux sur lequel se tenaient les caravanes. L’esthétique granuleuse, son côté crade, exprime encore une fois tous les défauts des films d’appellation sundance. Aujourd’hui, pour montrer les déviances de la société, les réalisateurs, et Lee Daniels aussi, ne trouvent plus d’autres moyens que dans le grain de la pellicule et dans la moiteur des appartements minables de New York.

Le titre éponyme du film implique le suivi quasiment fantomatique de la caméra sur le personnage, presque son fusionnement avec elle comme dans la littérature. Mais on en devient fatigué de suivre cet Atlas qui porte tous les malheurs du monde. Combiner dans un même personnage autant de fléaux fini par lasser et l’on se demande au fil de la narration ce qui va bien pouvoir lui arriver pire. Lee Daniels n’est pas avare de cruautés cumulées et improbables. Son film en devient plus une vision vulgaire de son personnage qu’un véritable regard précieux.

Precious

de Lee Daniels, sortie le 3 mars

avec Gabourey Sidibe, Paula Patton, Mariah Carey,Lenny Kravitz

Fraternités bien (al)léchantes (Coed fever)

2010-03-03T03:00:00.002+01:00

L’âge d’or du X américain prouve une fois de plus ses qualités. Cette nouvelle collection (Les trésors du X américain) parue chez Wild Side ne semble pas en manque de références cultes. Après le très fameux Debbie does Dallas, la collection du chat qui miaule ressort des fonds de tiroirs une autre perle du cinéma porno made in US. Coed fever se déroule dans les associations étudiantes et fratries dans laquelle se regroupe chaque étudiant. Toutes les scènes apportent leur lot de sexe vintage, et on aime retrouver le geek vison seventies, étudiant informaticien avec cheveux gominés et lunettes triple-foyer.

Même si le film semble une parodie de la comédie adolescente, genre populaire aux Etats-Unis et tant utilisé par les grands réalisateurs tels que John Landis (American College, 1978), le réalisateur Gary Graver reprend les codes du genre mais ne parvient pas à les élever. Tourné avec humour et désinvolture, le film ne manque pourtant pas d’attraits par son côté ludique et sa lubricité. Pour exemple, la séquence d’ouverture où une jeune étudiante (Samantha Fox) fait une gâterie buccale à son professeur pour faire monter sa note de F à A+. Cependant on finit vite par s’ennuyer et seules les scènes osées du film captent l’attention, malgré une certaine forme d’humour, on comprend que Robert Mc Callum est plus intéressé par les jeunes filles que par la trame de son film. On soulignera tout de même certaines répliques qui valent leur pesant de cacahuètes : "rentre ton animal dans son terrier, il est chaud et humide".

Si Bambi Woods et ses copines de Debbie does Dallas incarnait l’Amérique prête à tout pour parvenir à ses fins. Les actrices de Coed Fever tel que Samantha Fox ou encore Annette Haven (aussi doubleuse de Mélanie Griffith dans pour les scènes érotiques de Body double de Brian de Palma) représentent quant à elles le penchant déjanté et lubrique d’une Amérique puritaine et bien pensante des fraternités américaines. Moins sensuelle et érotique que Debbie, Coed fever prône le désenchantement et la recherche de diversités (triolisme et scènes lesbiennes). Mais c’est surtout grâce aux ustensiles, aux nombreux sextoys utilisés (ces objets si courant de nos jours ne l’était pas dans les seventies) que le réalisateur montre sa modernité.

Même si Coed Fever ne représente pas non plus un modèle du genre, on peut tout de même remarquer l’humour de son réalisateur et les cultissimes scènes de sexe qui ne se prennent pas aux sérieux. Le cinéma porno de notre époque aurait peut-être quelques leçons à recevoir de ce film pour réussir à offrir des œuvres plus alléchantes.

Coed fever

un film de Robert MC Callum, disponible en DVD (éditions Wild Side)

avec Vanessa Del Rio, Samantha Fox, Annette Haven

Cul –tissime porno ! (Debbie does Dallas)

2010-03-01T22:30:00.004+01:00

Enfin un film qui donne envie. Les éditions Wild Side ont eu la grande idée de ressortir les plus grands titres du cinéma pornographique des années 70 et 80. La collection L’Age d’or du X américain permet de découvrir ou des redécouvrir de nombreuses œuvres (Coed fever, Devil in miss Jones ou encore Odyssey). Debbie does Dallas est peut-être l’œuvre la plus connue car maintes fois parodiée dans la culture de masse. Mais oui ! Rappelez-vous dans un épisode des Simpson, Krusty le clown se rend dans un cinéma pour adultes voir Debbie. Le réalisateur Jim Clark ne pensait sûrement pas à l’époque que son film marquerait autant et que ce titre serait dans toutes les bouches et dans toutes les oreilles. Encore aujourd’hui tout le monde, même sans l’avoir vu, connaît au moins le titre de cette œuvre. Et l’on comprend le pourquoi de cette notoriété. Debbie est capitaine des pom pom girls d’une ville lambda des Etats-unis, elle a gagné le droit de faire partie pour un soir des cheerleaders qui soutiendront l’équipe de football de Dallas, mais elle doit gagner de l’argent pour son voyage. Ses amies vont alors décider de l’aider, et elles sont prêtes à tout…

Servi par un superbe casting dans lequel nous retrouvons la mythique Bambi Woods. Ses minauderies et son air de ne pas y toucher donne au rôle un semblant de réalisme qui colle parfaitement avec l’esthétique « vintage » de l’époque. Chaque séquence du film apporte son lot de bonne phrase, comme le fameux "ne t’étrangle pas avec, je ne voudrais pas que tu meurs". Indépendamment de ces phrases mythiques, le film est loin de l’abjection de chair dans les pornos de notre époque. Debbie does Dallas ne cherche pas à faire du cul pour du cul, mais au contraire est un vrai film assorti de séquences un peu « hot ». Même sur un point de vue purement scénique, Jim Clark est en constante propositions de cadrages ou de jeux avec le décor le tout sur une musique funk digne des meilleurs blacksploitation. Si l’on reconnait un certain goût pour l’économie du plan c’est peut être, et il faut le rappeler, qu’à cette époque les caméras était beaucoup plus lourdes que maintenant et que l’industrie du porno n’ayant pas de grands moyens récupérait très souvent des chutes de pellicules dans les poubelles des grands studios pour s’en servir (c’était les premiers écolos). Le réalisateur ne pouvait alors pas s’amuser à foirer une prise ou à sur découper une scène pour lui donner plus d’ampleur. Aujourd’hui, avec les nouvelles caméras numériques la part belle est au montage épileptique et à l’abstraction du temps. Ce que le progrès HD a amené en cinéma, il l’a enlevé à l’industrie pour adulte. La vulgarisation et l’animalité des rapports de notre époque ne sont pas de mise pour le cinéma Boogie night. Debbie does Dallas a touché toute une génération par son côté classieux, et qui ne prenait pas le spectateur pour un con. Ici pas de fausse jouissance avec des cris à en déchirer les tympans, ni de scène de trois quart d’heure sans fin. Tout est fait pour non pas donner envie aux prouesses sportives mais à l’image et à la narration en tant que telle.

Debbie does Dallas est un des grands chefs d’œuvre de la pornographie, la ressortie de ce film permet de se rendre compte de la qualité d’un genre qui, à vouloir trop en faire, finit par bander mou. Jim Clark fait de son œuvre un véritable plaisir solitaire que l’on est toujours heureux de revoir ou de revoir, ne serait-ce que pour la formidable Bambi Woods.

Debbie Does Dallas

de Jim Clark, disponible en DVD (éditions Wild Side)

avec Bambi Woods, Herschal Savage, Merle Michels

La route Tsigane (Liberté)

2010-02-24T03:04:00.003+01:00

Des casseroles, des roues, des ustensiles de ferronnerie, le tout balancé par le rythme de la caravane de roulottes tirées par des tsiganes. Un rythme lancinant et harmonieux pour ces premières images. Liberté est le nouveau film de Tony Gatlif (Gadjo Dilo, Exil, Transylvania) sur une époque trouble de l’histoire de la communauté tsigane. Sous la France de Vichy, une famille gitane fait escale dans un village pour la cueillette, celle-ci est aussitôt mise sous la protection du maire/vétérinaire (Marc Lavoine) qui va tout faire pour les protéger des oppressions de la police française et des propriétaires peu scrupuleux. Gatlif retrace le génocide du peuple tsigane et son emprisonnement avant même la déportation juive. Le réalisateur, par une étude ethnologique du peuple tsigane, de sa culture, et de son rapport à la nature, crée de micros-histoires qui viennent nourrir le film. Le personnage le plus intéressant du film, Taloche (James Thiérrée), incarne un idiot dostoïevskien, un homme qui ne voit pas le monde comme les autres. C’est lui qui apporte un souffle au film et qui le conduit jusqu’à son paroxysme, il arrive même à faire des autres personnages de simples faire-valoir devant sa propre folie et son amour de la nature et des petites choses.

Malgré quelques maladresses, Gatlif, comme dans un morceau de guitare à la Django Reinhardt, parvient lors de certains solos à souligner une mise en scène toute en finesse. Des fils barbelés se transforment, par le pincement des doigts d’une petite fille, en harpe et raisonnent dans le camp comme les sanglots longs de l’automne. Malheureusement ces trop rares séquences sont contaminées par une mise en scène et une narration des plus banales. On pense notamment à l’histoire entre Théodore (Marc Lavoine) et Mademoiselle Lundi (Marie-José Croze). Cette relation a tendance à prendre le premier plan de l’action, si bien que l’on finit par ne voir qu’une simple histoire d’amour dans un film qui avait pour point de départ un génocide. La mise en scène en devient quelconque et disparate, il est bien triste de voir la qualité et l’attrait du nouveau Tony Gatlif s’arrêter à de simples séquences bouffées par la romance. La véritable liberté se trouve surtout dans les séquences tarkovskiennes sur les rapports du peuple tsigane et de la nature. Dommage qu’un mot ne fasse pas un film.

Liberté

un film de Tony Gatlif, sortie le 24 février 2010

avec Marc Lavoine, Marie-Josée Croze et James Thiérrée

L'île du docteur Scorsese (Shutter Island)

2010-02-24T03:03:00.002+01:00

Scorsese réalise un coup de maître. Après Eastwood et le très sombre Mystic River, ou Ben Affleck pour son film Gone Baby Gone, Martin Scorsese adapte une nouvelle fois un roman de l’écrivain Dennis Lehane où la noirceur de l’intrigue et des personnages se révèle à chaque instant du film. Chaque faux raccord fait tout d’abord pensé à une erreur de montage, mais l’on se rend vite compte que ce cinéaste de génie cherche à faire plonger le spectateur dans sa propre folie.

Le marshal Teddy Daniels (Leonardo Di Caprio un rôle des plus sales et qui lui colle à ravir) est enclin à de nombreux cauchemars autour de son passé ; La découverte des camps de concentration lorsqu’il était soldat pendant la seconde guerre mondiale. Ou encore l’image de sa femme, brûlée vive. Son bureau lui demande de mener une enquête sur l’île de Shutter Island, dans un hôpital psychiatrique qui renferme les pires criminels. Cette mission fait ressortir ses démons. On s’attend, au fil de l’histoire, à une fin avec l’inspecteur en prison, déjà vue tant de fois. Mais Scorsese prend à revers le public, et à peine pense t’on comprendre enfin le pourquoi du comment de son film que l’on est mené vers une autre piste sans jamais s’attendre au surprenant twist final.

Di Caprio, dans un rôle enfin taillé à sa mesure, dévoile sa force d’interprétation. Il est loin le jeune Jack du Titanic, propet et qui parlait bien aux dames. Avec L’âge, le jeune acteur prend de l’envergure. À croire qu’il fallait lui donner un côté sale et perturbé pour mettre en valeur son talent. Même avec une cravate à palmier, Di Caprio joue le trouble de son personnage avec brio, on a plaisir à le suivre dans son enquête.

Depuis Les infiltrés, toujours réalisé par Scorsese, on peut penser que les deux hommes se sont trouvés. On savait déjà que le réalisateur américain était un fin limier pour dénicher les jeunes talents et les faire jouer à leur plus haut niveau. Encore une fois après de Niro et ses psychoses de Taxi Driver, il semble que Scorsese ait trouvé son nouveau double à l’écran.

Le film plonge dans une trame horrifique et on se prend au jeu. La force du duo réalisateur/acteur est de faire croire à cette histoire et de plonger le spectateur dans la fiction comme dans un brin de folie. Shutter Island est un film qu’il faut absolument voir et sûrement revoir pour en comprendre toutes les finesses et les pistes pour le dénouement final. Scorsese arrive encore à sonder l’âme humaine et ses subtilités dans ce film qui n’est là que pour nous remettre en question.

Shutter Island

de Martin Scorsese, sortie le 24 février 2010

avec Leonardo Di Caprio, Ben Kingsley

Regime sans sexe (La Reine des pommes)

2010-02-24T03:02:00.002+01:00

Encore un film sur les trentenaires qui vient contaminer les écrans. Sur le papier, le film de Valérie Donzelli a des attraits dans la forme, moins dans la narration. Adèle (Valérie Donzelli), trentenaire, tente de faire face à une rupture. Le scénario tient du déjà-vu, ces cinq dernières années le cinéma français a eu son lot de ruptures et de conseils avisés sur la post-dépression. La Reine des pommes ne relève pas le niveau. La tante (Béatrice de Staël) prodigue des conseils en vigueur, ceux entendus partout, florilège d’idioties que, quiconque ayant vécu une rupture, a entendu un millier de fois (heureusement la fameuse phrase du « un de perdu dix de retrouvés» n’est pas présente ici). La grande idée du film revient toutefois à faire incarner par le même acteur (Jérémie Elkaïm) tous les rôles masculins, de l’ex, aux futurs ex. Il agit ainsi comme un fantôme modelé sur les corps des différentes rencontres de la jeune femme et sur ses propres doutes quant à ce que l’on appelle l’amour. Mais, les séquences se suivent et ont un goût de déjà vu, de niaiseries compilées les unes après les autres. On finit par découvrir que La Reine des pommes est en fait des patchworks de tous les films sur les trentenaires que l’on a déjà vu. Sans compter que les différents lieux de rencontres semblent tout droit sortis d’un manuel pour jeune fille tiré de la presse féminine qui orne les devantures de n’importe quel bureau de presse.

Le conte moderne difficile à mettre en place. On retrouve le méchant roi joué par l’ex, la gentille fée et ses superbes conseils jouée par la tante, mais surtout le jeune chevalier blanc tel le prince charmant de cendrillon qui n’arrivera que lors de la coda, quand la petite trentenaire sera devenue grande. Le passage à l’âge adulte pour la réalisatrice/actrice passe aussi par la mise en scène. Le film monté avec les moyens de Valérie Donzelli et une petite caméra numérique aurait peut-être mérité un plus grand travail de préparation. Le défaut principal du film reste surtout l’étalonnage ambiant, chacune des parties est différentes de celles qui la précède, ce manque d’uniformité trouble l’attention du spectateur et fait ressortir le côté cheap du film. Dommage que Valérie Donzelli fasse de La Reine des pommes une tarte lourde à digérer.

La Reine des pommes

de Valérie Donzelli, sortie le 24 février

avec Valerie Donzelli, Jérémie Elkaïm, Béatrice de Staël

Alice, dans le trou du lapin (Alice ou les desirs)

2010-02-24T03:01:00.003+01:00

Encore un film français qui ne sait pas traiter du désir. Le nouveau projet du cinéaste Jean-Michel Hulin fait plus rire qu’il ne donne à réfléchir. Alice (Caroline Mercier), jeune professeur de mathématique, à qui la vie sourit, décide de quitter son petit ami (Axel Zeppegno) lors d’un repas familial chez sa cousine (Cécile Calvet). Le film ne reflète malheureusement que le pathétique d’un réalisateur sans grandes convictions et qui se sert de l’idée de sexualité pour ameuter une foule de jeunes boutonneux en mal de sexe. De ce travail ne ressort que des cadres à la moi je te pousse, un rythme qui permet de pisser entre les séquences et surtout un anti-désir. Hulin fait se succéder pendant près de deux heures des séquences de soi disant découvertes des corps et de la sexualité. Et pour lui, cela passe forcément par toutes les déviances qui trônent aujourd’hui sur le web, du voyeurisme au sado-masochisme en passant par la sodomie violente. Comme dans n’importe quel film porno, le montage d’Alice ou les désirs enchaine les expériences sexuelles, le cul et l’excitation en moins.

Le mauvais goût du cinéma français. Depuis le cinéma porno américain des années 80, il était rare de voir sur un écran un homme cracher dans sa main pour faire une sodomie. Ce que la vidéo pour adulte avait annihilé, Alice ou les désirs se le réapproprient dans son festival de clichés sur les femmes et le sexe. Cela fait bien longtemps que le cinéma qui scrute les désirs de notre époque ne fait plus bander et ici c’est une véritable castration chimique qui s’opère. Les trop longues séquences de découverte du sadisme ne mènent qu’à un fou rire général et à une forme de gène pour les acteurs et le réalisateur. On remarque même une sorte de « «beaufferie » dans la mise en scène et certains choix appliqués à la narration. On se souviendra de la promenade d’Alice en plein centre ville attachée par une laisse sur la chanson de Iggy Pop and the Stooges I wanna be your dog ; revival d’une époque où les paroles d’une chanson traduisent une action, comme dans les clips des années 90. Alice ou les désirs attache son spectateur, mais dans le mauvais sens du terme, c’est une relation sadique qui se met en place. Après avoir vu ce film, on se surprend à vouloir se faire battre pour l’oublier.

Hulin a sans doute oublié que les films fait avec trois francs six sous et ayant pour thème le désir ont déjà été exploités par un autre genre de cinéma et de meilleure façon. John B. Root cinéaste du porno fait-maison parvient plus à expliquer les envies de notre époque que ce film mièvre. Alice ou les désirs a au moins le mérite de faire rire sans le vouloir.

Alice ou les désirs

de Jean-Michel Hulin, sortie le 24 février

Caroline Mercier, Axel Zeppegno, Cécile Calvet

Entre chien et loup (Une Nouvelle ère glaciaire)

2010-02-24T03:00:00.003+01:00

Une épopée qui laisse perplexe. Première fiction de la jeune réalisatrice Darielle Tillon, ce voyage entre Cherbourg et les contrées sauvages de la Bulgarie déçoit. Deux frères, David (Mélaine Lebreton) et Eric (Mickael Rebouilleau) finissent la saison dans un camping sur la côte normande. Ils se demandent ce qu’ils feront après et sans prévenir Eric disparaît. Désemparé son frère se lance alors dans une quête incessante de la fraternité qui le poussera à marcher jusqu’en Europe de l’Est. Ayant tout d’abord commencé par la vidéo d’art et l’art plastique, la réalisatrice alterne entre séquences d’abstractions et séquences narratives. Un homme marchant dans la neige ou encore des effets stroboscopiques sur la dernière soirée d’Eric qui le font disparaître puis réapparaître, prémices de sa fuite, répondent à de longue conversation sur la mondialisation et ce qu’est une frontière aujourd’hui. Le sujet qui semble préoccuper la réalisatrice est tout droit sorti d’un conte de fée pour enfants attardés, le dépassement des frontières, les nouvelles formes de communications entraînent l’humain vers sa forme la plus animale. C’est d’ailleurs sans grande subtilité que Tillon sort cet argument lors des retrouvailles des deux frangins dont l’un est transformé en « animal » après un accident de voiture, ses blessures au visage lui donnant l’apparence d’un chien.

Malheureusement, le film agit comme un pétard mouillé. Tous les effets de styles employés par la réalisatrice tombent à l’eau et emportent avec eux l’attention que l’on peut avoir pour l’intrigue. Au milieu du film, une étrange ellipse scinde la narration et les pays. D’une course à vélo de nuit en campagne normande, David se retrouve dans un lit au cœur de la Bulgarie. Cet aspect fantastique voulu par la narratrice apporte une sorte de malaise. Selon elle, dans le dossier de presse, le cinéma français ne sait pas mélanger les genres et reste cantonné dans ses propres schémas. On peut au moins le lui accorder. Mais ici la trop forte utilisation de formes (classique et abstraite) et de genres (réalisme et fantastique) fait penser à un patchwork d’idées cousues les unes sur les autres mais sans réelles représentations formelles. Une nouvelle ère glaciaire se veut comme la transformation animale de son personnage, c’est-à-dire une métamorphose, une mutation. Par là on entend celle du cinéma français vers un melting pot des genres et des styles. Cependant cette idée est peut-être trop grande pour un film qui s’arrête bien avant la fonte des glaces dans l’évolution cinématographique.

Une Nouvelle ère glaciaire

de Darielle Tillon, sortie le 24 février

Avec Mélaine Lebreton, Mickaël Rebouilleau

Conan Doyle sous Prozac (Sherlock Holmes)

2010-02-03T03:00:00.002+01:00

On peut se demander si le cinéma avait réellement besoin de ressortir du caveau la fameuse icône anglaise et son célèbre flair pour les petites choses alors que le petit écran s’en sert déjà pour le moderniser. Aujourd’hui, les réalisateurs sont à la redécouverte d’œuvres du passé, d’archéologie des icônes lointaines afin de les remettre au goût du jour. C’est le cas pour Gainsbourg, et c’est aussi celui de Sherlock Holmes de l’Anglais Guy Ritchie. Le personnage de Sir Arthur Conan Doyle ré exploité sous différentes formes aura en 2010 un nouveau visage, celui de Monsieur Iron Man, Robert Downey Jr. (qui reprend encore ce rôle de façon lâchée et désinvolte). Déjà, les célèbres séries telles que Les experts Las Vegas (Le personnage de Grissom est parfait pour cet exemple), Mentalist (Un homme qui observe chaque élément d’un crime pour obtenir une résolution avant la police) et enfin Docteur House (docteur boiteux directement en référence avec Watson, le célèbre comparse de Holmes) tentait de remettre ce de personnage au goût du jour. Or ce que Ritchie tente de faire avec ce film, ce n’est pas la modernisation d’une œuvre mais donner une aura cool au détective du 221 Baker Street.

Élémentaire mon cher Watson, pour Ritchie, la reconquête d’une œuvre passe par sa destruction la plus total. Pour résumer le film, disons qu’Holmes s’embarque une nouvelle fois avec son comparse Watson (Jude Law) dans une aventure fantastique (mais que bien évidemment, la science parviendra à contrecarrer) contre Lord Blackwood, un notable anglais qui se fait passer pour un magicien maléfique et qui tente d’asservir le monde avec la première arme de destruction massive (une bombe chimique commandée par une télécommande). Dans sa dernière réplique Holmes parlera du monde moderne grâce au contrôle à distance que permet cet engin (si seulement on pouvait zapper pendant la projection de ce film, là ça serait moderne). Finalement, ce n’est plus une cool attitude que donne Ritchie à son personnage mais une tare. Toujours bourré, dormant à même le sol, les vêtements débraillés, bref une tenue de tocard qui remplace la classe que pouvait avoir le flegmatique détective à la loupe. Son comparse Watson n’est d’ailleurs pas en reste de dégradations. Il n’est plus la conscience ni le narrateur des aventures d’Holmes, mais un vulgaire bourrin assoiffé de baston et défonceur de porte. Même la relation entre les deux protagonistes est transformée. L’homosexualité ambiguë présente dans les romans se transforme en jalousie du détective pour la fiancée de son partenaire. La mise en scène de Ritchie ne permet pas non plus au film de se relever, son montage épileptique et ses zooms abusifs sur les éléments qu’il ne faut surtout pas laisser passer, font du protagoniste une sorte de moine Shaolin capable de prendre le dessus sur son adversaire en l’analysant.

On peut cependant constater l’intérêt de certaines séquences, notamment lors d’un repas au restaurant, Holmes qui attend Watson ne peut s’empêcher d’analyser la salle, ce qui le rend malade. Cette courte scène très vite mise de côté ne prend malheureusement pas plus d’ampleur dans le film qu’une vague dans l’océan. Ritchie essaie avec perte et fracas de faire renaître un mythe de la littérature anglaise, les explosions en plus, le raffinement british en moins.

Sherlock Holmes

de Guy Ritchie, sortie le 3 février

avec Robert Downey Jr, Jude Law